viernes, 26 de septiembre de 2008

El poder de la electricidad.

Pensamientos Impuros
Bajo ese título genérico se reúnen un grupo de artículos sobre temas de actualidad, que fueron publicados en diversos medios de comunicación a principios de la década del dos mil.

Pretendo más una labor de compilación de lo disperso que una recuperación de lo interesante. El tiempo no perdona a nada ni a nadie. Tampoco a las opiniones.


El general Pinochet fue liberado, el jueves día 2 de marzo, por el Gobierno del Reino Unido, país en donde el 16 de octubre de 1998 había sido detenido siguiendo una orden de búsqueda internacional dictada por la Justicia española. Sometido a un proceso de extradición de complejos avatares jurídicos, impuestos por las presiones del Estado Chileno y sus alíados . Ha sido puesto en libertad aduciendo su precario estado de salud, que le impedía ser juzgado. Los informes médicos presentados por el ministro inglés de interior Straw y filtrados por el ministerio de Exteriores español (con un descaro que avergonzó a los medios jurídicos de todo el mundo), describían a un enfermo casi terminal, con sus facultades psíquicas totalmente disminuidas e incapaz de articular cualquier respuesta coherente, en consecuencia imposibilitado de defenderse ante un tribunal. Era un hombre viejo y abatido, al borde de la demencia; trasladado, como un objeto inerme, sobre una silla de ruedas, la cabeza ladeada dispuesta al babeo seguro.

Fueron veinticuatro las horas que duró el viaje desde Inglaterra a Chile. En ese corto espacio de tiempo se produjo el milagro. Cuando Pinochet descendió del avión en Santiago de Chile era un hombre totalmente distinto del que reflejaban las últimas imágenes de su cautiverio. Sonriente se levantó de la silla de ruedas, rechazó el apoyo que le brindaban sus acompañantes, con paso firme para sus ochenta y cuatro años se dirigió y les habló con soltura a los jefes militares que acudieron a recibirle . Era el jefe impartiendo órdenes, a unos devotos subordinados. Completó el espectáculo: el despliegue bélico. Con unidades especiales en ropa de combate, la cara tiznada y armamento de guerra.

El vuelo rasante sobre el palacio presidencial de la Moneda del helicóptero que lo trasladaba al hospital. La desobediencia de los mandos militares a las autoridades civiles dandole un recibimiento con rango de Jefe de Estado, asemejaban más la llegada de Pinochet a una toma de poder, que al regreso de un convicto.

En esta milagrosa curación parece que tuvo mucho que ver la electricidad. Desde el comienzo de su invención se le dio a esa energía poderes curativos para la demencia. Pero en este caso parece que no fue aplicada con el mismo método ni con similar resultado. En Alguien voló sobre el nido del cuco, Jack Nicolson, también fingidor de locura como el general, recibe una descarga por la que se convierte en el personaje que interpreta. Pero la electricidad que curó al general era de otra naturaleza , era la de Endesa , la macro empresa eléctrica española privatizada por Aznar. Y que con sus multimillonarias inversiones en la chilena Enersis, veía que el asunto Pinochet ponía en peligro la rentabilidad del capital invertido. El 29 de abril del año pasado el presidente de la mencionada compañía, el ex ministro del interior Rodolfo Martín Villa, declaraba que “el tratamiento que estamos recibiendo del Gobierno de Chile está poniendo en peligro una inversión comprometida de más de 700.000 millones de pesetas y este proceso esta fuertemente contaminado por factores políticos...especialmente el caso Pinochet. Se debe buscar un acuerdo extrajudicial.” Y se buscó.

Según denuncia la prensa inglesa y desmienten los gobiernos acusados. España, Chile e Inglaterra hicieron un pacto por el cual propiciarían la salida del general del Reino Unido ya que la muerte de éste en Europa lo convertiría en un héroe, se justificaron. La escenificación fue perfecta. Un siquiatra chileno se desplazo a Londres y adiestró al detenido en la simulación de los síntomas. Se habló de un empeoramiento de su salud, y se emprendió una campaña de propaganda sobre las razones humanitarias ( ya saben esas por las que se bombardea a los civiles en Yugoslavia o en Sudán) que impedían el juicio de un incapaz. Por parte española Martin Villa hacía de puente con los chilenos en el deseo de acelerar la solución final. Que se retraso un poco, por el excesivo respeto a los formalismos de los ingleses.

Cuando vieron partir a Pinochet respiraron aliviados en los tres países. Pero no contaban con una curación inmediata, más bien tenían planeada y pensada una recuperación lenta que tuviera a Pinochet apartado y a ellos libres de las críticas. Con la hipocresía ensayada en estos quinientos tres días de detención , manifestaron que se había ido a su pesar, que habían sido obligados a soltarlo. Pero liberaban, argumentaron, a un viejo al que la reclusión había herido de muerte.

La “resurrección milagrosa” estropeó sus planes.

Frei, el presidente saliente de Chile, y el recién elegido, el socialista Ricardo Lagos, claman ahora contra la actitud de Pinochet. Cuando ellos fueron quienes más presionaron para su puesta en libertad. Ven un ejercito que no dominan y que bajo la influencia clara de Pinochet impone la libertad vigilada de la democracia chilena. Matutes , Martín Villa y Aznar estaban felices con su eléctrica salvada y salvadora. Ahora dudan entre explicar a su país su papel en la liberación de un hombre a todas luces peligroso, o echarle la culpa a los otros que pueden si se enfadan decir la verdad.

En Chile la vida política gira otra vez alrededor del dictador. El ministro de Defensa pide explicaciones a los cuatro generales en jefe del ejercito sobre su asistencia al recibimiento. No se las dan. El Magistrado Guzmán inicia un proceso de desafuero contra él (suspensión de inmunidad) y pide un reconocimiento médico para saber si puede ser imputado. Parece que cuando oyó la noticia se echo a reír. Ricardo Lagos exige que no vaya a su toma de posesión pero como vaya no sabe que hará...

El juez Garzón calculó todos los recursos legales que lograrían el procesamiento de Pinochet. Los preparó concienzudamente para evitar su escapatoria, pero se olvidó del poder de la electricidad, y ese poder fue el que hizo libre y curó a Pinochet. ¡Pobre Pueblo Chileno, que cara paga la luz!

Segovia, 7 de marzo del 2000

miércoles, 10 de septiembre de 2008

Olvidar para vivir.

El pianista. (Crítica Cinematográfica)
DIRECTOR: Roman Polanski
GUIONISTA: Ronald Harwood
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2002




En Varsovia, en un estudio de radio, un hombre interpreta a Chopin. Se oyen explosiones. Tiemblan las ventanas. La cabina de control de sonido queda desvastada. El pianista continúa tocando, se niega a seguir a los técnicos que huyen. Hasta que el cristal que aísla el estudio estalla. La realidad interrumpe la música y el hombre se disuelve en la multitud. La película comienza con una bella secuencia que resume la historia y el carácter del personaje.

Dirigida por Roman Polanski y ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes del año 2002, “El pianista” se apoya en las memorias del pianista judío polaco Szpilman para abordar los terribles sucesos acaecidos en el gueto judío de Varsovia durante la ocupación nazi. La cámara usa la mirada desvalida del músico para describir aquellos episodios históricos donde la crueldad humana llegó a unos límites inimaginables.

Polanski que sufrió en su niñez una experiencia paralela en el gueto de Cracovia, siempre se había negado a tratar este tema en el cine. Incluso rechazó la oferta de Spielberg para dirigir “La lista de Schindler”. ”En el momento que se me propuso”, declaró, “consideré que los sucesos estaban muy cercanos a mi… Tal vez el motivo era otro: necesitaba contar mi propia experiencia, pero era incapaz de hacerlo. Cuando leí las memorias de Szpilman me vi totalmente reflejado, él contaba lo que yo vi y creí no ver”.

El pianista es separado de su familia por la policía judía y salva la vida gracias a un oficial alemán (Thomas Kretschmann) admirador de su música.

Roman Polanski tardó mucho en hallar al actor que interpretaría a Wladyslaw Szpilman: “Cuando vi algunas películas de Adrien Brody, no vacilé, era el pianista”.

Polanski refleja en un estilo clásico y lineal, alejado de su cine anterior, los sentimientos de una víctima, un músico reducido al silencio, que asiste a los acontecimientos amnésico y paralizado ente lo que ve, como si el dolor lo ausentara del lugar donde está obligado a vivir.



Como curiosidad podéis escuchar la canción que Jorge Drexler compuso en el 2005 basándose en la misma historia aquí.

miércoles, 20 de agosto de 2008

La desilusión de crecer.

Felices dieciséis. Sweet Sixteen.
(Critica Cinematográfica)
DIRECTOR: Ken Loach
GUIONISTA: Paul Laverty
INTERPRETES: Martin Compston, Michelle Coulter, Annmarie Fulton
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2002




Al pasar el discurso sociopolítico a un segundo plano, el realizador británico Ken Loach consigue con “Felices dieciséis” (“Sweet Sixteen”) una depurada película. Sobre un fondo de miseria social y afectiva, elabora una tragedia clásica entre una madre y su hijo adolescente (“Edipo rey”). Criminal por el deseo de constituir una familia donde el centro sea ella.

Como todos sus compañeros, Liam sobrevive del trapicheo, y del hurto ocasional de pequeñas cosas. Cuando roba las existencias de unos traficantes de droga observa su desesperación a través de un catalejo en gesto temerario e infantil. Llevó a cabo la mayor hazaña a la que un valiente puede aspirar en el mundo.

Sin embargo, en este universo deprimente, Liam tiene un ángel de la guarda, su hermana, y sobre todo una estrella, su madre, que va a salir de prisión unos días antes de su decimosexto cumpleaños. Para esta madre, a quien desea asegurar la vuelta en las mejores condiciones, Liam va a jugar a la vez el papel de hijo perfecto y de marido emérito subiendo uno por uno los escalones de la mafia local.

Con “Sweet Sixteen”, Ken Loach vuelve a visitar un terreno conocido, ya admirablemente tratado en “Ladybird, Ladybird" y “Mi nombre es Joe”, dos de sus mejores películas, allí donde se extiende el mismo horizonte social: la miseria afectiva y la indigencia material de personajes irremediablemente abandonados a ellos mismos.

Pues “Sweet Sixteen” es accesoriamente una película social y, más fundamentalmente, el terrible relato de un chico que no comprende que su vida de hombre debe escribirse sin su madre. Para explicarlo, Loach se ha valido de la interpretación formidable de Martin Compston, un joven sin ninguna experiencia como actor que le da al personaje de Liam una carga humana insospechada. Una apariencia de realidad que estremece, mediante una cara donde los rastros de la adolescencia son aún visibles, con su perpetua gorra, con la ingenuidad suicida de sus actos motivados por los pocos años, a pesar de los muy duros e intensos que estos hayan sido vividos.

Para contar su historia, Ken Loach supo encontrar la forma ideal del cine de género. “Sweet Sixteen” esta construida como las películas de gángsteres de los años 30, donde detrás de la ascensión y la caída del criminal se dibuja un sentimentalismo paternalista, presagio de su declive. El modelo de “Sweet Sixteen” podría ser “Al rojo vivo”, de Raoul Walsh, con James Cagney en el papel de un implacable criminal obsesionado por el cariño de su madre.

Loach, además, lo filma con destreza, con un sentimiento impecable de la elipse, un montaje ágil, una utilización parsimoniosa de la bella música de Jorge Fenton. Pero, sobre todo, se apoya en una inversión inteligente de los códigos de género. Mientras que se hace potencialmente una máquina de delinquir, que hasta rompe con los mejores amigos de la infancia, Liam también se confirma como una maquina de gustar. Es un monstruo, pero el espectador desea darle un abrazo.

Presenciamos aquí el dispositivo más brillante jamás puesto a punto por Ken Loach. Su crítica no se refiere a la situación material de Liam y de sus compañeros-el realizador se abstiene de proponer la menor solución-. Son un simple encadenamiento de acontecimientos que hacen considerar naturales las continuas fechorías de Liam y su integración en el medio del crimen. Es lógico, pero al mismo tiempo desesperante, que este chico venda su alma al diablo para reencontrar a su madre y reconstruir una apariencia de familia. Haciendo esto, Liam pierde todo, a él, a su madre, a su hermana, a sus amigos: el infierno le pertenece.

martes, 29 de julio de 2008

Locura de amor.

Pensamientos Impuros

Bajo ese título genérico se reúnen un grupo de artículos sobre temas de actualidad, que fueron publicados en diversos medios de comunicación a principios de la década del dos mil.

Pretendo más una labor de compilación de lo disperso que una recuperación de lo interesante. El tiempo no perdona a nada ni a nadie. Tampoco a las opiniones.


María Casal se internó en el mar para morir. No sabía, seguro, que de la misma manera se había suicidado la poetisa argentina Alfonsina Storni. El sentirse incapaces para soportar la enfermedad empujó a las dos en su decisión; a Alfonsina su propia dolencia, a María Casal la de su hijo.

María Casal vivía en Narón un pueblo marinero de la provincia de la Coruña. Tenía un hijo Óliver Bouza de diecisiete años de edad, que desde los diez había manifestado trastornos psíquicos. Primero interno en un “Centro de Menores” sin cuidados específicos, después tratado en los llamados “Centros de Día”, su enfermedad se fue agravando y haciéndose cada vez más violenta. Cuando llegaba a casa a las dos, venía acompañado del infierno de su locura, del sufrimiento que la esquizofrenia impone en los intercambios con la realidad a estos enfermos. Las agresiones a su madre, los destrozos o las crisis de llanto eran sucesos cotidianos que la familia debía soportar. María recorrió desesperada todos los lugares donde podían escucharla , donde creía poder hallar una solución. Hasta en uno de esos programas de televisión que se nutren de los despojos que deja la infelicidad de alguna gente, se prestó a contar su historia, pensando que algún responsable sanitario se conmovería con su relato. No lo consiguió. Aquella mañana de marzo, cuando su hijo volvió a casa lo mató con un cuchillo de cocina.”Era lo que más quería en el mundo”, había dicho muchas veces; por eso no pudo resistir su pérdida y se suicidó después.

La reflexión que surge ante estos hechos, repetidos continuamente en diversos grados de tragedia a lo largo del país, debe ser una reflexión de naturaleza política. Estas muertes ocurrieron porque las instituciones, fundamentalmente las autonómicas, carecen de centros para tratar a estos adolescentes psicóticos (una edad por lo demás muy crítica para su dolencia) cuyas conductas violentas no aconsejan una vida en familia. Es cierto que la reclusión de los esquizofrénicos, por poner un caso, no goza de buena prensa, después de las viejas divagaciones de la anti-psiquiatría. Pero no se trata de vigilar y castigar. El caso es ayudar a estos enfermos cuyo sufrimiento en el delirio, en la disociación de su personalidad es terrible, y por otro lado darle a las familias la libertad, la tranquilidad y la paz que tienen derecho a disfrutar en el espacio de sus hogares.

Fraga dijo un día que Galicia, con provincias como Lugo donde los mayores de sesenta y cinco años ya doblan en número a los menores de quince, tenía el problema de envejecimiento mayor del mundo. Que la Xunta va a ayudar a las familias para que tengan hijos pues es una cuestión de Estado. Al día siguiente, ante la muerte de Oliver, comentó, cortante, a la pregunta de un periodista. “Los únicos responsables de esta tragedia es la familia del joven.” Fraga al final siempre se le escapa lo que piensa, ¿cuestión de carácter?..., tienen razón, cuestión de ideología.

Segovia, 4 de Abril del 2000

martes, 8 de julio de 2008

Todos tenemos días malos.

Retratos de una obsesión (Critica Cinematográfica)
DIRECTOR: Mark Romanek
GUIONISTA: Mark Romanek
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2002




La risa y el llanto están separados por una delgadísima línea transparente. Lloramos ante una buena noticia o nos embarga la más imparable de las carcajadas ante la desgracia repetida. “¡Ya no sé si reír o llorar!”, solemos decir. A los niños les dan miedo los payasos vistos de cerca y les divierten los monstruos más horribles. Esa difusa frontera debió sugerir a Mark Romanek, el director de “Retrato de una obsesión”, la idea de utilizar un cómico para interpretar el papel de un psicópata asesino. Después de muchas pruebas contrató a Robin Williams.

Ese es el principal atractivo de la película. ¿Logrará el actor, tan encasillado en papeles de bondadoso simpático, que los espectadores se echen a reír en vez de a temblar? Eso de las emociones es algo tan personal que sólo viéndola podrán comprobarlo. Robin Williams, siempre irónico, respondió al interrogante: “A los únicos que he visto temblar, por ahora, es a los productores, ante el miedo a perder su dinero”.

Aparte de la singularidad del protagonista, la película es una más entre las muchas sobre psicópatas, rodadas con gran despliegue de medios en los últimos años en EEUU. Una puesta en escena sobrecogedora nos muestra a un empleado de una tienda de revelado rápido de fotografías, avasallado por la vida. Solitario, rodeado de gentes ajenas como cosas, fantasea sobre los parientes que no tiene. Incapaz de sobreponerse a una rutina obligada, mira, y goza o sufre los acontecimientos a través de las fotos de sus clientes. Especialmente con las de la familia de la protagonista.

El desarrollo de la trama -retratada siempre en colores blancos, beige y azul grisáceo, y empleando un rodaje académico casi exagerado (enfoques insistentes, movimientos lentos de cámara)- consigue, con la ayuda de un contenido Robin Williams, describir la psicopatía, de apariencia imposible, del personaje y lograr que la intriga ”progrese adecuadamente”.

Aunque al final se desinfle en desenlaces demasiado previsibles, en confesiones inconfesables (traumas infantiles), que incluso ponen en movimiento los brazos de Williams hasta el momento perfectamente controlados.

Y la moralina. La cargante moralina americana o la herencia calvinista o lo que sea, que achaca cualquier desgracia que a uno le pase a un error previamente cometido. Castigo divino que caerá sobre el pecador y su familia. Si los tiempos le maltratan, algo habrá hecho para merecerlo. Aplíquense el cuento. Si salen decepcionados de la película, algún remordimiento les atormenta cuando compraron la entrada.


lunes, 16 de junio de 2008

Atraco en “prime time”.

Ni a favor ni en contra, sino todo lo contrario.
(Crítica Cinematográfica)
DIRECTOR: Cédric Klapisch
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2002


Cartel de la película


El director francés Cédric Klapisch (“Una casa de locos”) ha frecuentado casi todos los géneros cinematográficos, al estilo de aquellos artesanos habituales en la realización de mediados de siglo pasado, hasta que en los años setenta la nouvelle vague impuso el cine de autor y la firma de la obra cinematográfica. Esa aparente humildad no ha impedido que si excelente oficio esté revestido de un meritorio toque personal. En “Ni a favor ni en contra (sino todo lo contrario)” aborda el cine de criminales, lo hace con un guión original y consigue una excelente puesta en escena de lo que a simple vista puede parecer una esperpéntica narración. Una chica de buena posición arrastrada a los bajos fondos por el ansia de apagar el aburrimiento que a los jóvenes del presente consume, no es algo nuevo como tema. El enfoque que le da Klapisch, si.

Un humor negro, una acción trepidante y el retrato de las relaciones personales en un mundo – el de la delincuencia- en el que se da por supuesto que no existen, confeccionan una trama que no sólo traspasa aquello a lo que todo relato aspira: contarnos lo que debajo de la piel y la apariencia guarda cada personaje.

Destaca el personaje femenino interpretado por Marie Gillain y la primera media hora. Con estos escuetos elementos, Klapisch casi roza la excelencia.


jueves, 5 de junio de 2008

Pedro Temboury vuelve con “Ellos robaron la picha de Hitler”




"Ellos robaron la picha de Hitler” se estrena por fin este viernes en Madrid y Barcelona. El responsable de la genial “Karate a muerte en Torremolinos”, Pedro Temboury, vuelve al cine con esta prometedora comedia al más puro estilo de los ochenta. El protegido cinematográfico de Jess Franco asegura que el cine barato es el futuro, sobre todo en tiempos de crisis, y da unas recomendaciones para conseguir una buena película de serie B: buena música, algún rostro conocido y muchos amigos para el reparto, una historia corta para no aburrir al personal y una promoción a base de mercachifles(camisetas, muñecos, mecheros…).

Recordar que Temboury también participo en “El infierno virtual del Doctor Wong", y más recientemente en “See you later Cowabunga "


viernes, 30 de mayo de 2008

Una chica de verdad.

Giro inesperado (Crítica Cinematográfica)
DIRECCIÓN: Philip Kaufman
GUIONISTA: Sara Thorp
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2004



El director de este thriller de asesinatos en serie es Philip Kaufman, un hombre con ansias de hacer un cine independiente y meritorio a quien la despiadada realidad del fracaso hizo entrar en la senda del amanuense distinguido, del artesano a sueldo. Es una película que sigue la senda de “Seven”, que utiliza sus recursos, en aquel tiempo sorprendentes, ahora resesos. Que usa, es cierto, algo innovador, una mujer, interpretada por la excelente Ashley Judd, que permite hacer lo que la moral dominante considera estupendo en un hombre, despreciable en una mujer. Bebe, se acuesta con quien le da la gana y no soporta que le pidan explicaciones. También destacables sus compañeros de reparto, Samuel L. Jackson y Andy Garcia, que acabará ganando a Denzel Washington interpretando a policías.

Pero bajo esa aparente tolerancia, el pobre Kaufman intenta camuflar la total ausencia de originalidad narrativa con un mensaje pacato en el que se afirma la primacía de los lazos de sangre sobre cualquier relación humana. Flota en este thriller sin suspense un perfume tenaz de puritanismo. Entretenida y sin complicaciones, que era a lo que al director le habían pedido.



miércoles, 28 de mayo de 2008

Ozon investiga.


Swimming Pool (Critica Cinematográfica)
DIRECTOR: François Ozon
GUIONISTA: François Ozon y Emmanuèle Bernheim
INTERPRETES: Charlotte Rampling, Ludivine Sagnier, Charles Dance
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2003



François Ozon es uno de los “niños terribles” más brillantes de su generación, el más brillante realmente . Su cine arriesgado y evocador recuerda al estilo de Chabrol o Hitchcock. Tras “Ocho mujeres”, Ozon estrena “La piscina” una historia perversa, porque el más avezado espectador de películas de intriga será incapaz de adivinar su final, el más degenerado de los llamados “transgresores” urdirá una trama tan escandalosa. “Después del éxito de mi anterior película, una de las primeras cosas que me planteé fue volver a un cine más intimista, más simple, con menos personajes.” declaró Ozon.

Y lo cumplió. Pero hay intimidades tan inquietantes que es mejor queden en el secreto personal e intransferible. En las letras irreales de los libros

Sarah Morton (Charlotte Rampling), escritora inglesa de novela policíaca de gran éxito, viaja a Francia, a Lubéron, a la casa de su editor para descansar y escribir. Pero una noche, Julie (Ludivine Sagnier), la hija francesa de su editor, se presenta en la casa y acaba con la tranquilidad de la novelista.

Las dos actrices ya habían trabajado con el director anteriormente. Ozon les ha dado la oportunidad de lucirse con esta película. Charlotte Rampling, que ya protagonizó “Bajo la arena”, ha expresado su agradecimiento al francés por volverla a poner en la cresta de la ola y ha elogiado a su joven compañera de reparto.

Al principio, Francisco Ozon había previsto que el personaje finalmente interpretado por Sagnier (“Gotas de agua sobre piedras calientes”) fuera un chico. Pero en el curso de la escritura, le pareció más interesante confrontarle a una mujer a una chica. “Enfrentar a Charlotte Rampling y Ludivine Sagnier me daba la posibilidad de insinuar una relación madre/hija, y la de poner cara a cara a una actriz consagrada y a una actriz joven”.

Para darle más credibilidad al personaje de la novelista inglesa, François Ozon contactó con Emmanuèle Bernheim, especialista de este tipo de escritores, que le alumbró sobre la psicología de estas mujeres, “con tendencias alcohólicas o lésbicas a menudo no asumidas, y su fascinación para las perversiones”. Y hubo alguna de ellas que se dieron por aludidas, que los espectadores les pongan los nombres.



viernes, 23 de mayo de 2008

Leatherface remata el trabajo.


La matanza de Texas 2004 (Crítica Cinematográfica) 
DIRECTOR: Marcus Nispel
GUIONISTA: Scout Kosar
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2003


“La matanza de Texas 2004” tiene dos fuentes de inspiración: unos hechos reales y la película del mismo título. En 1976, la policía de Texas encontró los restos de 33 cuerpos en la granja de Thomas Hewitt, antiguo empleado de un matadero. Aquel siniestro personaje ejecutaba a sus víctimas usando una motosierra con la que las despedazaba. Al año siguiente el director Tobe Hooper realizará con un presupuesto exiguo un filme considerado un clásico.

La nueva versión es difícilmente comparable con la película de Tobe Hooper por las condiciones en que fue rodada y los objetivos que persigue. La actual, producida por Michael Bay, especialista en películas por encargo en el que el único fin es la rentabilidad, huye, por definición, de cualquier ruptura innovadora. La sorpresa es que “La Matanza…2004”, sin encontrar un verdadero vinculo con el original, se inscribe en la tradición del horror americano de los años 70. Ninguna concesión a tramas secundarias, un estilo conciso y seco, y el espanto como único motor dramático.

El director, proveniente del videoclip y la publicidad, recurre a excelentes planos muy bien realizados pero quedan algo aislados dentro de la narración. Al contrario que la original le faltas escenas de suspense que refuercen el efecto terrorífico con es reserva inagotable de imágenes. Y aunque imita torpemente la desmesura de la primera matanza en algunos momentos reactiva la potencia del espanto. Indispensable para amantes del género.