viernes, 29 de abril de 2016

Moomins on the Riviera - Crítica Cinematográfica

Finlandeses en la Costa Azul

TÍTULO ORIGINAL: Muumit Rivieralla
DIRECTOR: Xavier Picard, y Hanna Hemilä
GUIONISTA: Leslie Stewart, Annina Enckell, Hanna HemiläXavier Picard y Beata Harju
BASADA EN LOS PERSONAJES: Los Moomin creados por Tove Jansson
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2014

Fotograma de Moomins on the Riviera
Los Moomins son unos personajes creados, a mediados de la década de los cuarenta, por la autora finlandesa Tove Jansson. Primero fue un libro ilustrado escrito en 1939 y que se publicó en 1945, al finalizar la Segunda Guerra Mundial. Se tituló: La llegada del cometa. Los héroes de esta obra protagonizarían, después, una tira cómica desde los años cincuenta hasta 1975. Esta tira se publicaría regularmente en Finlandia, Suecia y Reino Unido simultáneamente. Más tarde se recopilaron en un tomo bajo el título de Moomintroll and the End of the World.

La fantástica vida de tan rocambolescos personajes se extendió por varios libros infantiles y más comics. Incluso, cuando Tove Jansson se cansó de los personajes, su hermano Lars Jansson continuó desarrollando sus aventuras en diversos formatos. En España, su publicación fue irregular, pero actualmente se puede encontrar la colección de libros editados por Siruela y sus viñetas compiladas en dos volúmenes por Coco Books.

Los Moomins alcanzaron aún mayor éxito internacional con la adaptación a una serie de dibujos animados, coproducida y emitida por TVE a principios de los años noventa. Aunque el estilo del dibujo se veía influenciado por el Anime ─el estudio de animación y los directores artísticos eran japoneses─, el espíritu de la obra se mantenía intacto. Era una serie dirigida a niños, pero mantenía una ácida crítica de nuestro estilo de vida supuestamente “civilizado”. Después de un centenar de episodios, la serie culminó en un largometraje estrenado directamente en video, Un Cometa en el Valle Moomin, basado en el primer libro de la serie.
 
 
Fotograma de Moomins on the Riviera

En 2014, cuando se celebraba el centenario del nacimiento de su autora, se estrenó en Finlandia Moomins on the Riviera, inédita aún en España. Basada en el comic del mismo título, cuenta como la familia con forma de hipopótamo se embarcan en un viaje rumbo a la Rivera; donde la unión de los miembros de la familia se verá amenazada por la entrada en escena de la estrella del cine Audrey Glamour, el playboy Clark Tresco o el escultor Marquis Mongaga.

 El diseño de personajes es fiel a los originales. Y el tratamiento de color, inspirado en las ilustraciones del principios de los sesenta, sorprende. A pesar de prevalecer los colores planos, consigue perspectiva con originales combinaciones. Pero el gran problema es el guion. Las historias están deslavazadas, no tienen un punto de unión. Y las bromas o gags son demasiado ingenuos, demasiado naif. Además, carece de cualquier atisbo de crítica a la sociedad contemporánea. El ritmo de la película va decayendo e incluso el público infantil pierde el interés de lo que pasa en la pantalla.

El film es una buena oportunidad desaprovechada. Podría ser una gran obra, pero no funciona, motivado por un mal guion.
 
 

viernes, 22 de abril de 2016

The Fake - Crítica Cinematográfica

Realidad de un color desolador

TÍTULO ORIGINAL: Saibi
DIRECTOR: Sang-ho Yeon
GUIONISTA: Sang-ho Yeon
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2013

Fotograma de The Fake

La película de animación The Fake pretende ser un retrato descarnado de la sociedad surcoreana actual. Se vale para ello en posar su pesimista mirada sobre una aldea poblada de hombres violentos y machistas y por mujeres retrogradas que consienten los abusos. Allí llega una banda de estafadores que bajo una falsa iglesia se aprovechan de la ignorancia de los lugareños para arramplar con sus ahorros. 
 
Al mejor estilo de un thriller setentero acompañamos al mezquino Chilseong en su intento de desenmascarar a los farsantes. No se me ocurre equivalente mejor que Memories of Murder (2003) del también surcoreano Joon Ho Bong. Su atmosfera empapada en la niebla, su violencia explícita y reiterada, la mofa de la ineptitud policial y la crítica social, son muy similares.
 
The Fake es el segundo largometraje dirigido por Yeon Sang-ho, después de The King of Pigs. Al igual que entonces, su ajustado presupuesto no le ha impedido trazar una gran obra, con un ritmo trepidante y con originales giros argumentales. Es sabido que en Corea del Sur se animan la mayoría de las series del mundo (ya se reían los Simpson en el episodio dirigido por el graffitero Banksy en 2010) y especialmente los productos animados de su vecino Japón.
 
Pero no hay un ápice de los rasgos que caracterizan al diseño de personajes del anime en este film oriental. De hecho, sobresale por un diseño hiperrealista, con ojos chicos, arrugas y ceños fruncidos. La animación es fluida y sin pausa. Los fondos hermosos y repletos de detalles.
 
Una película dura pero recomendable.
 
Fotograma de The Fake


Curiosidades

El film únicamente se estrenó comercialmente en Corea del Sur, EE.UU. y en España.
 
En nuestro país tal vez ayudó que obtuviese en el 2013 el premio a Mejor Película de Animación en Festival de Sitges y el Festival de Gijón (ex-aequo con Cheatin’ de Bill Plympton)


 

viernes, 15 de abril de 2016

Mad Monster Party? - Crítica Cinematográfica

Loca fiesta monstruosa


TÍTULO ORIGINAL: Mad Monster Party?
DIRECTOR:
GUIONISTA:  y Arthur Rankin Jr. 
AÑO DE PRODUCCIÓN: 1967

Fotograma de Mad Monster Party?
El Barón Boris von Frankenstein ha logrado concentrar en una probeta la fórmula del Secreto de la Destrucción Total. Para celebrar el hallazgo organiza una convención en una isla privada perdida en medio del océano. Invita a todos sus amigos: al Conde Drácula, al Hombre Lobo, a Cuasimodo, al Doctor Jackie, el Hombre Invisible, la Criatura del Pantano y la Momia. Por supuesto, también asisten al Monstruo de Frankenstein y a su mujer. Pero la fiesta se le irá de las manos cuando transciende que el Barón planea retirarse y ha decidido cederle su puesto a… ¡un humano! Un sobrino lejano que apenas conoce. En resumen, el presidente de la Organización Internacional de Monstruos será un desconocido.

Mad Monster Party fue uno de los primeros largometrajes animados dirigidos por Jules Bass y producidos por su empresa Rankin/Bass Productions; poco antes de hacerse famosos ambos por sus especiales de Navidad para televisión protagonizados por Rudolf, el reno de Papa Noel. 

Mad Monster Party interpretada por un anciano Boris Karloff, en el papel del Barón Frankenstein, no tuvo especial éxito en su momento, pero con los años se ha convertido en un film de culto, adorado por muchos y reivindicado por cineastas tan importantes como Tim Burton o Andrew Stanton (guionista de Toy Story y productor de Pixar). 

La animación en stop-motion de las marionetas ha quedado un poco anticuada. No es fluida, más bien parece hecha a trompicones. Abusa de los fundidos a negro y el final, con la aparición de un King Kong naranja, el ritmo del metraje se resiente. Por el contrario, el diseño de dichos muñecos, y los estrafalarios escenarios son un canto al pop de los años sesenta. También del gusto de los nostálgicos de la estética colorista de los anuncios americanos del periodo de la Guerra Fría. No le faltan ni las onomatopeyas animadas en 2D al estilo del Batman de Adam West, serie coetánea a esta película. Además la banda sonora al estilo jazz es un valor añadido. Lo mejor, en mi opinión, son los números musicales compuestos por el propio Jules Bass con ayuda de Maury Laws
 
Los zombi-botones de Mad Monster Party

Un capítulo aparte necesitaría para explicar la gran influencia que ha tenido Mad Monster Party? en la actual Hotel Transilvania de Tartakovsky (uno de mis directores de animación favoritos). No solo el concepto básico del argumento se asemeja ─el paraíso de los monstruos es ultrajado por un humano─ si no algún diseño de personaje es descaradamente parecido. Por ejemplo, los zombis-botones o el bobalicón monstruo de Frankenstein y la listilla de su mujer.

Es divertida y un poco gamberra. No está publicada en España, pero merece la pena rebuscar en el mercadillo de Internet. Hay alguna copia a muy buen precio.
 
 

viernes, 8 de abril de 2016

El huevo del ángel - Crítica Cinematográfica

El misterio del Anime

TÍTULO ORIGINAL: Tenshi no Tamago - Angel's Egg
DIRECTOR: 
GUIONISTA: Yoshitaka Amano y Mamoru Oshii
AÑO DE PRODUCCIÓN: 1985

Fotograma de El huevo del ángel  
En 1985 el director de animación japonés Mamoru Oshii unió su talento a su compatriota, el ilustrador, Yoshitaka Amano, para llevar a cabo una película animada de título Angel’s Egg destinada para su explotación en video, también llamadas OVA, siglas de Original Video Anime (en japonés orijinaru bideo animēshon). Este tipo de producciones, en auge durante la década de los ochenta, se caracterizan por la libertad creativa para tratar cualquier tipo de tema; dejando muchas veces de lado al público infantil al que normalmente iban dirigidas las producciones animadas, hasta entonces.
 
Mamoru Oshii ─años más tarde realizador de Ghost in the Shell, anime futurista de referencia─ y Yoshitaka Amano ─conocido por ilustrar las novelas de Vampire Hunter D y  diseñar el arte del videojuego Final Fantasy─ aprovecha dicha libertad para crear una película casi sin argumento, y repleta de simbolismos. El film está protagonizado por una niña que protege un huevo grande como el de una avestruz. En su recorrido por una ciudad tenebrosa y vacía se cruza con una especie de caballero que porta un bastón en forma de cruz. Nunca sabremos porqué la niña mima tanto el huevo o qué contiene éste huevo, el cual oculta bajo su vestido, como si lo empollara.
 
Personalmente, la película se me hizo eterna. Sus setenta minutos de duración se convierten en interminables. Cada encuadre es una maravilla de la perspectiva, del color y del diseño. La animación es espectacular. Dentro de los parámetros del anime, con poco movimiento y una cantidad ingente de detalles, destaca por la cantidad de recursos utilizados. Los diseños de personajes de trágica palidez y la arquitectura Neo-Gótica con que encuadra los siniestros paisajes Amano impresionan, apabullan  a pesar  del tiempo transcurrido, y se mantienen vigentes treinta años después. La música  suple a los casi inexistente diálogos, y su originalidad ayuda a crear una atmosfera que trasmite un desasosiego como de escalofrío al espectador.
 
Otro fotograma de El huevo del ángel
Pero eso no basta para construir una película. No hay argumento. Nada sucede. Ni siquiera consigue una cadencia que enganche al espectador a base de sus filigranas técnicas. Es bonita al principio y es bonita al final. Es de una belleza plana. Hay un intento de reflejar una estructura circular con el aterrizaje de la nave al principio y el despegue al final. Pero se queda en eso. En un intento.
 
Algunos críticos defienden que es una obra maestra llena de simbolismos, cristianos en su mayoría. A mí me parecen aseveraciones de Perogrullo  basadas en lo superficial. Por ejemplo, el mencionado bastón en forma de cruz, la muerte y la “elevación a los cielos” de la protagonista, la estatua con las manos entrelazadas alrededor del huevo. Principalmente creo que planos generales de casi dos minutos, observando como una hoguera se apaga, no transmite nada que no sea sopor.
 
La animación es preciosa, o mejor: preciosista. Brillante. Pero hay que armarse de paciencia para disfrutar de estas últimas virtudes.
 

Curiosidades

La revista española especializada en terror, fantasía y ciencia ficción ScifiWorld la situó en el octavo puesto del Top Ten de las películas imprescindibles enmarcadas en la fantasía oscura.

Parte de la animación se reutilizo en el largometraje de ciencia ficción In The Aftermath: Angels Never Sleep coproducción australiana japonesa de bajo presupuesto donde Mamoru Oshii firma el guion con Carl Colpaert (también director de este film).

viernes, 1 de abril de 2016

Wizards (Los hechiceros de la guerra) - Crítica Cinematográfica

Error colorista

DIRECTOR: 
GUIONISTA:
AÑO DE PRODUCCIÓN: 1977

Fotograma de Wizards (Los hechiceros de la guerra) 

Desde el principio de su carrera, Ralph Bakshi, se ha esforzado por innovar en el campo de la animación. Para ello, ha corrido grandes riesgos y en la mayoría de las ocasiones ha alcanzado resultados destacables, obras sobresalientes. Son ejemplos: Coonskin, Tygra: hielo y fuego, o la adaptación animada de El señor de los anillos. En otras el resultado ha sido menos acertado…
 
Wizards (Los hechiceros de la guerra) se englobaría en esta última categoría.

En el prólogo del film del que hablamos se explica el fin de la humanidad causado por una gran guerra nuclear. En consecuencia, en la Tierra, después de un largo periodo, habitada únicamente por mutantes, surgen seres mágicos como duendes y hadas. La lucha entre dos magos, hermanos y gemelos, uno defensor de la magia y otro de la tecnología, marcan el principio de la trama.

El diseño de personajes es interesante. Sobre todo la combinación de colores es muy original. El mejor ejemplo es el personaje del asesino Peace. Pero el gran problema de la película es el guion y su mensaje demasiado moralizante, obvio en su antibelicismo palmario por la pobreza del argumentarlo que cae continuamente en lugares comunes. Basando sus personajes en los estereotipos de una aventura de espada y brujería, la narración de Ralph Bakshi es confusa y pobre. Hay demasiados interludios donde se vale de una voz narradora para intentar aclarar que acontece y la animación da paso a unas pobretonas ilustraciones carentes de movimiento. También en los momentos de acción, sobre todo en las batallas, el director opta por la rotoscopia, aumentando el desconcierto del espectador ávido de acción.
 

Peace es uno de los protagonistas de Wizards (Los hechiceros de la guerra)

Quizá todas estas deficiencias se deban a los problemas de financiación que sufrió la película durante su realización. La Fox (productora de la película) se negó a aprobar un desfase de cincuenta mil dólares que Bakshi necesitaba para acabar la película y el animador se vio obligado a utilizar técnicas más baratas. 

La leyenda cuenta que esta película le abrió las puertas, al director de origen palestino, a la primera adaptación a la gran pantalla de El señor de los anillos, en la que llevaba trabajando desde 1976. Lo que deja en evidencia que de los errores se aprende y que un artista necesita equivocarse para encontrar la perfección.
 
 


Curiosidades


Mark Hamill prestó su voz a Sean, el despiadado rey de las hadas. La producción de esta película coincidió con la de Star Wars, película que le lanzaría a la fama. Pero durante su carrera Mark Hamill ha doblado a multitud de personajes de animación desde el Duende Verde de Spiderman, en la serie animada hasta el Joker en varios largometrajes de DC comics realizados directamente para televisión. Este mismo año volverá a encarnar al archienemigo de Batman en la adaptación a la pequeña pantalla de La broma asesina; comic de Alan Moore y Brian Bolland.

El actor de doblaje Bob Holt dio vida al mago protagonista: Avatar. Bob Holt ya había trabajado con Ralph Bakshi en El Gato Fritz. También dobló a Hulk en su primera encarnación animada para televisión, participó en Dragones y Mazmorras y en Lucky Luke. Antes de morir en 1985 fue uno de los actores que prestó su voz a Mogwai y a los Gremlins en la primera película.