viernes, 26 de febrero de 2016

Batman: Año Uno - Crítica Cinematográfica

Un murciélago atormentado

DIRECTOR: Sam Liu y Lauren Montgomery
GUIONISTA: Tab Murphy
BASADA EN EL COMIC: Batman: Año Uno de Frank Miller y David Mazzucchelli
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2011

Fotograma de Batman: Año Uno
La película animada de Batman: Año Uno reinventa el nacimiento y las primeras andanzas como enmascarado de uno de los personajes más conocidos del comic mundial. El film se basa en el comic escrito por Frank Miller y dibujado por David Mazzucchelli, publicado en la serie regular durante 1987 y recopilado en 1988, uno de los hitos del noveno arte. En él también se inspiró Christopher Nolan para relanzar la franquicia del superhéroe en el cine, imprimiendo al personaje un carácter más atormentado y más realista (o verosímil, según algunos). Alejándose así del de Tim Burton, estereotipo más caricaturesco, aventurero, detectivesco  e intrascendente, que luego exploró la laureada serie de animación de los noventa.

Por eso y por la imperante ley de un mercado transmedia ─donde los personajes y sus historias se desarrollan en diferentes plataformas como en el comic, el cine, los videojuegos o libros─ este estreno es un paso lógico en la estrategia de Warner Bros. Y al mismo tiempo, continúa una nueva línea editorial que comenzó con Batman: Capucha Roja (2010) consistente en no crear guiones específicos para sus productos lanzados directamente a video, si no de servirse del descomunal fondo de historietas de la editorial DC para adaptarlas a largometrajes de dibujos animados. Así en los siguientes años ha llevado a la pequeña pantalla: El regreso del caballero oscuro en 2013 (también de Frank Miller), El hijo de Batman en 2014 (siguiendo la miniserie creada por Grant Morrison) y
Batman vs. Robin en el 2015 (recreando El tribunal de los búhos de Scott Snyder y Greg Capullo).
Fotograma de Batman: Año Uno

En Batman: Año uno, aunque los directores Sam Liu y Lauren Montgomery apenas sirven de simples transcriptores del comic, el resultado es bueno. En sólo sesenta y cinco minutos, como excelentes mecanógrafos, los realizadores sacrifican a veces el lenguaje cinematográfico para ser fieles al modelo, sobre todo en las escenas de acción. Por ejemplo, es trepidante la secuencia en que una bandada de murciélagos salva al primerizo y torpe héroe del ataque de la policía corrupta. Aunque da la sensación de que podía serlo más. También ahí están las voces en off del joven Bruce Wayne y de Gordon, que en el comic se representaban como apuntes en el diario de cada uno. En el film siguen sirviendo para expresar el particular sentido de impartir justicia de los protagonistas; muy “liberal”, muy propio de Frank Miller. El diseño de personajes, aunque influenciado por anime, respeta los dibujos de Mazzucchelli. Sirva como paradigma Selina (futura Catwoman) que aparece aquí como dominatriz de pelo rapado, una descripción que encaja más con un personaje de Sin City que con la Gatubela original.

En fin, una buena producción al servicio de realzar la leyenda circunstancial de un comic, la gran obra de Miller y Mazzucchelli. No decepcionará al fan veterano ni al debutante.
 

 

Curiosidades

El guionista Tab Murphy, en sus inicios fue candidato al Oscar por escribir la historia de Gorilas en la niebla. Después se especializó en los dibujos animados, firmó los libretos El jorobado de Notre Dame, Tarzan, Atlantis: El imperio Perdido y Hermano Oso, todas ellas producidas por Disney.

La co-directora Lauren Montgomery con sólo treinta y cinco años tiene el privilegio de haber dirigido ya ocho películas de animación, producidas para explotar directamente en video. Comenzó encargándose de Wonder Woman (La mujer maravilla) en 2009 y desde entonces no ha parado de encadenar trabajos. Destaca La muerte de Superman y Superman/Batman: Apocalipsis.
 

Portada de la edición de Planeta en castellano de Amor Loco


Como viene siendo habitual en las adaptaciones del mundo de DC Comic a la animación, Bruce Timm se encarga de la producción ejecutiva. Desde comienzos de los años noventa Bruce Timm ha  transformado a través de los comic y sobre todo a través de sus adaptaciones televisivas la mitología de Superman, Batman, Wonder Woman o Literna Verde. Su gran aportación a la leyenda de Batman fue la creación del personaje de Harley Quinn junto a Paul Dini en Amor Loco, comic con el que ganarían el Premio Eisner de 1994. 

viernes, 19 de febrero de 2016

El árbol de Halloween - Crítica Cinematográfica

Fantasía sideral

DIRECTOR: Mario Piluso
GUIONISTA: Ray Bradbury
BASADA EN LA NOVELA: The Halloween Tree de Ray Bradbury
AÑO DE PRODUCCIÓN: 1993

El árbol de Halloween

El estadounidense Ray Bradbury escribió sobre todo relatos fantásticos. que no de ciencia ficción, como él insistía una y otra vez en defender. La recopilación Crónicas Marcianas, donde narra la colonización del planeta rojo por parte de los terrícolas, es básica en cualquier biblioteca de un fanático de la fantasía. En su extensa obra, apenas firmó una docena de novelas cortas. Entre la que destaca el inquietante Fahrenheit 451. Sus historias se disfrutan en sorbitos cortos pero intensos.

Una de esas novelas cortas o nouvelles es The Halloween Tree, publicada en castellano por Minotauro bajo el titulo El árbol de las brujas. La idea original parte de un guion que el de Illinois había elaborado para el conocido animador Chuck Jones. El proyecto nunca se realizó. Una pena. Hubiera sido maravilloso ver trabajar juntos a estos dos talentos fascinados por el planeta Marte (Chuck Jones es el creador de Marvin: el Marciano de la Warner Bros). 

Pero el hiperactivo Bradbury, lejos de dejar la historia en el cajón, la adaptó en el mencionado libro en 1972. Ambientado en el día de Halloween, narra las aventuras de una pandilla de amigos que se ven obligados a viajar a través del tiempo y de convivir con diferentes culturas para salvar el alma moribunda de uno de ellos. Con una estructura similar a Un Cuento de Navidad de Charles Dickens y utilizando un estilo muy didáctico cercano al manual de enseñanza muestra cuales son los antecedentes de la celebración del Día de los Muertos. 
 
Mr. Moundshroud, el villano de El árbol de Halloween

Dos décadas después el estudio de animación Hanna-Barbera (Tom y Jerry o Los Picapiedras) decidió apostar por la adaptación del libro en una película para televisión. El propio Ray Bradbury escribió el nuevo libreto y narró la historia prestando su propia voz al film. El recién fallecido Leonard Nimoy (el Doctor Spock de Star Trek) bajo de su propia galaxia y encarnó al villano Mr. Moundshroud.

El resultado es desigual. La animación tiene las limitaciones propias de este tipo de producciones. Tanto los diseños de personajes y escenarios como los efectos especiales se han quedado anticuados rápidamente. Pero el relato consigue transmitir la original y trascendente melancolía de las palabras del escritor. Quizá el espectador actual tenga una visión menos romántica sobre los egipcios, los celtas o la Edad Media que la que se refleja en la película. Pero la historia consigue emocionar. Los niños protagonistas se convierten en adultos delante de nuestros ojos y aceptan la muerte como algo inherente al ser humano. Un tema cotidiano, el miedo al fin de la vida, escondido bajo una fabula fantástica. Muy característico del genial Ray Bradbury.
 
 

Curiosidades

Esta TV-Movie ganó un premio Emmy en el año 1994.

Mario Piluso, un veterano artesano de la animación, dirigió este telefilme animado. Durante su dilatada carrera en televisión se ha dedicado sobre todo a la supervisión de storyboards. Ha participado en Conan, el aventurero, Denver, el último dinosaurio o en Las Tortugas Ninja.

Ray Bradbury escribió multitud de guiones de cine, donde destaca el de Moby Dick, el clásico de John Huston protagonizado por Gregory Peck, así como algún episodio para Alfred Hitchcock presenta y La dimensión desconocida. Junto a Leight Brackett (de la cual ya escribí AQUÍ) se le considera como uno de los escritores más identificativos de la revista Planet Stories. Ambos autores escribieron juntos el relato Lorelei of the Red Mist publicado en 1946. 

viernes, 12 de febrero de 2016

¡Rompe Ralph! - Crítica Cinematográfica

Disney cambia, pero no mucho

DIRECTOR: Rich Moore
GUIONISTA: Phil Johnston y Jennifer Lee
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2012
 
 

El director de animación Rich Moore tiene el mérito de haber dirigido un puñado de los más divertidos episodios de Los Simpson y de Futurama. Pero también se merece ser laureado por haber conseguido transmitir parte de esa irreverencia, inherente a las mencionadas series de televisión, al mundo de los clásicos de Disney.

¡Rompe Ralph! es una película poco común en la filmografía del estudio, igual que antes lo fueran Taron y el caldero mágico o Lilo y Stich. Las aventuras del villano de un anticuado videojuego, que se ha cansado de representar siempre el mismo papel; aunque no sea, quizá, muy originales, su representación en la pantalla y su humor se salen del estándar al que parecía constreñido el departamento artístico de la productora.

La historia puede tener similitudes con Toy Story la primera película de Pixar. Ésta, ahora, convertida en una empresa prima-hermana del colosal conglomerado Disney. Si allí los juguetes tomaban vida cuando los niños abandonaban la habitación, aquí son los personajes de videojuegos que continúan con su cotidianidad en cuanto los humanos cierran el salón de juegos. Es en ese momento cuando la película te atrapa. Los gráficos 8-bits de las primeras consolas se mezclan con el mundo de ambientación hiperrealista de la guerra del más moderno de los shooters y con el rosa chicle de las carreras Kawaii.
 
 
 
¡Y consigue lo imposible!. ¡Rompe Ralph! logra empatizar con los padres y los más pequeños de la casa. Pero no sólo por la historia, que a eso nos tiene muy acostumbrado el cine de animación actual. Si no en la mezcla de dos mundos: el arcaico movimiento limitado de las recreaciones de los años ochenta, y la pomposidad digital de las consolas actuales. Consiguiendo resumir en algún plano treinta años de historia de los juegos electrónicos.
 
 

Curiosidades:

La banda sonora está compuesta por Henry Jackman, músico inglés, que ya ha trabajado para películas de animación, como Monstruos contra Alienígenas, Winnie the Pooh o El gato con botas. También incluye temas electrónicos de Rihanna, de Skrillex y de la estrafalaria banda japonesa AKB48, que ostenta el honor de haber sido incluido en el Reccord Guinnes por ser el grupo con más integrantes del mundo.



 

miércoles, 3 de febrero de 2016

Un comic underground animado

Heavy Metal (Crítica Cinematográfica)

DIRECTOR: Gerald Potterton
GUIONISTA: Daniel Goldberg y Len Blum
BASADA EN LA REVISTA: Heavy Metal
AÑO DE PRODUCCIÓN: 1981



El largometraje Heavy Metal, estrenado en 1981 lo componen seis cortometrajes de animación unidos por un prólogo donde se sobreimprimen los títulos de crédito y una pequeña glosa que independientemente de su colocación funciona a modo de epilogo explicativo. Cada segmento se enlaza con el siguiente con el lev motive de Loc Nar, una extraña bola de cristal que contiene el mal y funciona de un modo u otro como activador de cada aventura. Esta estructura se parece mucho al que luego utilizarían Stephen King (como guionista) y George Romero (como director) en Creepshow, estrenada un año después, a modo de homenaje a los tebeos de terror publicados en EE.UU. durante los años cincuenta.

El realizador Gerald Potterton intenta capturar la esencia de la revista que da título al film. Así cada segmento está producido en un estudio diferente y se basa en la obra de alguno de los más reconocidos artistas del magazine. Recurren a la rotoscopia, a un arcaico 3D e incluso utilizan los efectos especiales más primitivos haciendo explotar una maqueta en imagen real. Pero sobre todo, esgrimen la animación tradicional como modo de trasladar las viñetas al celuloide. Eso sí, lejos del canon de príncipes y princesas de Disney (que en los ochenta pasaba por el peor de sus momentos) y con el objetivo clientelar puesto en el público adulto.

El resultado es irregular. Empeñados en ser lo más fieles al diseño original lo único que consiguen es que la animación a veces se mueva pesadamente. Las líneas de un mismo personaje cambien en cada escena, olvidándose de la continuidad. Y la perspectiva falle al unir las capas de animación con los fondos. El guion también naufraga en la mayoría de los casos, sobre todo en la parte central.
 

Aun así, son mayores los logros. La mayoría de los escenarios son maravillosos, llenos de sutiles detalles. La dirección de arte hereda de los comics la originalidad, e incluso su asombrosa extravagancia. Y la primera historia, titulada Harry Canyon, es un genial neo-noir ambientada en un Nueva York del futuro donde aún, faltos de augures, conserva las Torres Gemelas.

El último episodio, Taarna, condensa todo lo quiere transmitir la película. Por algo, su protagonista es la portada de la película y el logotipo de la publicación. En una auténtica fábula de brujería y espada, con todos los ingredientes de un libro pulp, defiende que, pase lo que pase, siempre habrá alguien que resucite el espíritu libre de Heavy Metal. Y aquí está, 35 años después, Heavy Metal, convertida en una película de culto, con su rock duro, su violencia y sobre todo con su erotismo un poco trasnochado. Quizá, algo sentimental
 

Curiosidades

El canadiense Ivan Reitman conocido entre muchas otras cosas por ser el director de Los Cazafantasmas es el productor de esta película de dibujos animados. Antes ya había producido las películas de David Cronenberg Rabia y Vinieron de dentro de… y también la estrambótica Ilsa, la tigresa de Siberia (la última de la saga erótica protagonizada por Dyanne Thorne).