Una animación tradicional y con futuro

Este articulo fue originalmente publicado en el número 59 de Dot Magazine.

Pulsa sobre la imagen para leer el artículo original

En la primavera del 2013 Disney anunció el cierre de su estudio de animación tradicional. Fue una muerte anunciada. La compañía productora de éxitos 2D como La Bella y la Bestia o El Rey León había abandonado poco a poco los lápices para producir sus largometrajes animados exclusivamente con imágenes generadas por ordenador. El último espaldarazo a esta decisión fue el éxito de Frozen. El reino del hielo, aplaudida por la crítica y por el público. Este film, íntegramente realizado en 3D, es la típica adaptación de un cuento clásico a un musical (en este caso La reina de las nieves del danés Andersen). Una fórmula que Walt Disney había impuesto desde su primera película Blancanieves y los siete enanitos.

En septiembre de ese mismo año, el maestro de la animación, el japonés Hayao Miyazaki anunció su retirada. La noticia sorprendió a todos en el sector. A modo de despedida estrenó la ambiciosa El viento se levanta en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Ante la espectacularidad de sus escenas no fueron pocos los que lamentaron la marcha del director nipón.

Todo indica la muerte de una disciplina usada desde casi los inicios del cine. Este proceso artesanal, animación dibujo a dibujo, ha quedado relegado a las producciones independientes norteamericanas (por ejemplo, los cortometrajes de Bill Plymton) o a producciones europeas. De hecho, este mismo año la irlandesa Song of Sea está nominada a los Oscar en la categoría a Mejor Largometraje de Animación.

 

En este ambiente desesperanzador para los animadores tradicionales, Patrick McHale, un jovencísimo director que proviene de la cantera de Cartoon Network y que ya había trabajado en Hora de aventuras crea Over the Garden Wall, una miniserie de diez capítulos de diez minutos cada uno. Cartoon Network la produjo y la emitió en noviembre de 2014 en EE.UU. Fue un éxito aplastante.

La historia narra las aventuras de dos hermanos perdidos en un extraño y mágico bosque. Es un cuento de hadas tenebroso con una pizca de humor. Los personajes están genialmente construidos y enseguida simpatizas con los dos protagonistas: el desesperante Greg y el histérico Wirt (al que le pone voz Elijah Wood en la versión original).

Ambientada en un lugar imposible, bebe del imaginario de la Norteamérica profunda, ya reflejada por Tim Burton en Big Fish o Sleepy Hollow o incluso Night Shyamalan en El Bosque. Sin ser un musical, numerosas canciones sureñas escritas expresamente para la miniserie pueblan la banda sonora con sus pianos aporreados, sus banjos y sus acordeones. El conjunto consigue, como antes lo hizo cualquier película de Wes Anderson, provocar nostalgia por una cultura que casi seguro le es ajena al espectador, fuera de las fronteras estadounidenses. 

Por otro lado logra crear una estética original, con un dibujo muy sencillo, influenciado por las tiras cómicas norteamericanas del los años veinte y al mismo tiempo por el primitivo anime de Osamu Tezuka. También usa recursos de los primeros cortometrajes de Mickey Mouse y los mezcla con los últimos hallazgos del mencionado Miyazaki.

 

Entre las obras de éste autor es El viaje de Chihiro  la referencia más clara. No sólo narrativamente porque en los dos films hay niños perdidos en un mundo mágico. El diseño del personaje de Auntie Whispers se parece demasiado a Zeniba de la película japonesa, aunque una se cubra con una capa puritana y la original vista un kimono.

 

 

Un enredo de tramas

Enredados (Crítica Cinematográfica)

DIRECTOR: Nathan Greno, Byron Howard
GUIONISTA: Dan Fogelman
BASADA EN EL CUENTO: Rapunzel de los Hermanos Grimm
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2010

Que el quincuagésimo clásico animado de la factoría Disney sea una película con imágenes generadas por ordenador es toda una declaración de principios del ahora mandamás de la compañía John Lesseter, fundador de Pixar. Más aún si pensamos que un año antes se estrenaba Tiana y el sapo un canto (nunca mejor dicho) al mejor 2D del longevo estudio. Es una confirmación de los cambios que ha sufrido y está sufriendo en estos últimos años la empresa creadora del largometraje de animación: Blancanieves y los siete enanitos, allá por 1937.

Como en aquella, y en la mayoría de sus películas animadas, el argumento se basa en un cuento. En este caso en Rapunzel de Hermanos Grimm. Cuenta la película, entre canción y canción, la historia sobre una princesa secuestrada y encerrada por una bruja en una altísima torre. El único modo de acceder a su prisión es colgándose de sus largas y mágicas trenzas. Pero un día por accidente se cuela en el torreón un ágil ladronzuelo.

El principal problema de Enredados es que el guion y el diseño de arte se han quedado a medio camino en dicha actualización. Han intentado revitalizar la adaptación de un cuento clásico, como la misma empresa había hecho en los noventa con La Sirenita, Aladdin o la genial La Bella y la Bestia. Pero esta vez no lo ha conseguido. Y eso que el equipo encargado de ello posee experiencia probada en estos menesteres.

 

El guionista Dan Fogelman, salido de la cantera de Pixar (Cars y Cars 2), en un intento de renovar el ritmo del film, pensando en un público más actual, ha creado una maraña de subtramas que al final no logra solucionar con éxito. El desenlace es una secuela de coincidencias y elementos mágicos sacados de la manga que costará creer hasta al más inocente de sus espectadores. El diseño de personajes y escenarios a manos del veterano Glen Keane (suyos son los diseños de La sirenita y Pocahontas) se ha quedado en una simple trasfusión al 3D de diseños muy noventeros del grafismo tradicional. La princesa sigue vistiendo de rosa y su fiel amigo es un bicho pequeño y verde; un camaleón en vez de una rana, como referencia al pelo enredado de la protagonista, pero sigue siendo un bicho pequeño y verde. Aunque el peor diseño es el del apuesto galán (un ladrón en vez de un príncipe). Su aspecto se parece a los personajes de las cintas de DreamWorks En Ruta al Dorado o Simbad: La leyenda de los siete mares. Es decir, un intento de tener la factura de Disney, sin serlo.

 

 

Pero técnicamente no hay nada que reprochar. La factura es impresionante y la animación divertida y muy expresiva. La película cumple con creces su objetivo de entretener. No cuesta nada verla, pero tampoco supondrá un esfuerzo olvidarla. Es la primera vez que Disney aplica una fórmula que repetirán con más acierto años después con Frozen.

 

 

Curiosidades

En esta ocasión Disney no ha contado con grandes estrellas para que les pongan voces a sus personajes. Destacan Ron Perlman (Hellboy) prestando su voz a uno de los gemelos Stabbington, y en un pequeño papel Richard Kiel, el villano de sonrisa metálica Tiburón de La espía que me amó y Moonraker.

Una pequeña gran película

Ernest y Célestine (Crítica Cinematográfica)

DIRECTOR: Stéphane Aubier, Vincent Patar, Benjamin Renner
GUIONISTA: Daniel Pennac
BASADA EN LA SERIE DE LIBROS: Ernest y Célestine de Gabrielle Vincent
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2012

La película de animación Ernest & Celestine es una producción franco-belga estrenada en España por Sherlock Films en 2013, igual que ya había hecho antes con Pánico en la granja la anterior película del tándem de directores Stéphane Aubier y Vincent Patar. En esta ocasión adaptan al cine la serie de libros ilustrados de Gabrielle Vincent, protagonizados por un oso gigante y una ratoncita. De la difícil tarea de condesar el espíritu literario de veintitantos álbumes publicados durante casi dos décadas se ha encargado Daniel Pennac. Aclamado escritor francés, Pennac se hizo conocido por las novelas negras protagonizadas por la estrambótica familia Malaussène, pero también es un reconocido experto en la literatura y los media en general dedicados al público infantil. Ésta es su primera incursión en el cine.

El equipo de la película consigue transportar las pinceladas de acuarela de los libros originales a una animación fluida y preciosista. En un proceso que les llevó más de cuatro años rematar. El gran problema era mover, sin que fueran devoradas, las manchas de color difuminadas en un blanco predominante. Pero lo consiguieron. Parecen haber tomado como referencia aquella serie de televisión de Miyazaki Sherlock Holmes. No por el diseño de los animales antromórficos, que de eso está poblado el cine de animación; si no por el movimiento con poses exageradas y las expresiones faciales semejantes al mejor anime.

 

Lo único que falla un poco es el guion en la parte central cuando nos muestran las angustias de los personajes a través de sus sueños. Pero la película pronto recupera el pulso narrativo y provoca ternura en el espectador. Es una gran film pensado para todos los públicos y con un mensaje contra la intolerancia, fuera de los cánones bien pensante y empapados en moralina empalagosa a los que nos tiene acostumbrado el cine norteamericano.

 

Curiosidades

El recorrido de festivales internacionales avala la calidad de la película. Recibió la Mención Especial en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes en 2012 y fue nominada a los Oscar en la categoría de Mejor Película de Animación donde compitió junto a El viento se levanta (el último film de Miyazaki), Los Croods y Gru 2:Mi villano favorito. El premio finalmente se lo llevó Frozen: El reino del hielo.

En la versión original francesa el oso Ernest fue doblado por Lambert Wilson actor reconocido internacionalmente por participar en Catwoman protagonizada por Halle Berry y Matrix Reloaded. Aun así para la versión inglesa confiaron en Forest Whitaker (El último rey de Escocia)

La resistencia de un pequeño pueblo galo

Astérix: la residencia de los dioses (Crítica Cinematográfica)

DIRECTOR: Louis Clichy, Alexandre Astier
GUIONISTA: Alexandre Astier
BASADA EN EL COMIC: La residencia de los dioses de Rene Goscinny y Albert Uderzo
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2014

 

 

Asterix y Obelix son los protagonistas de una treintena de historietas creadas por René Goscinny (guion) y Albert Uderzo (dibujo). Los personajes, de desigual corpulencia pero semejante hechura, simbolizan la resistencia de un pequeño pueblo (los galos, alter ego de los franceses) ante los más poderosos invasores.

 

Pero igual que se relata con ingeniosa habilidad en los cómics, el enfrentamiento entre los heroicos “david” y los poderosos “goliat” a la hora de comercializar los álbumes franceses, como también le ha ocurrido a la producción española desde hace años, se encontraron con la poderosa industria americana del comic. Agrandado la diferencia de poderío cuando se convierten en personajes cinematográficos. La victoria permanente se transforma en derrota inevitable.

 

Pues como decíamos la relación de Asterix y Obelix con el cine y su resultado ha sido desigual, y muy parecida a la que han tenido el tebeo español Mortadelo y Filemón. Las dos sagas comenzaron con paupérrimas producciones en 2D, con la entrada del nuevo milenio tuvieron su encarnación en películas de imagen real (con gran éxito en la taquilla pero sin el beneplácito de la crítica) y su último proyecto se han pasado a la animación en tercera dimensión (ver Mortadelo y Filemón contra Jimmy el "Cachondo").

 

Destacar en el recorrido a Las doce pruebas de Astérix estrenada en 1976. Dirigida por los propios Uderzo y Goscinny, y sin estar basada en ninguno de los comics publicados hasta la fecha, consiguió capturar el espíritu y la comicidad de las viñetas originales. Hasta ahora se consideraba el mayor éxito cinematográfico de los irreductibles galos.

 

 

 

Astérix: la residencia de los dioses adapta la decimoséptima aventura. Está vez, Cesar intentará que los irreductibles galos sucumban a la atracción de la modernidad romana y abandone su lucha construyéndole un complejo vacacional en el bosque de al lado. 

 

El film es técnicamente brillante. Da solución a problemas casi inimaginables de resolver, como el diseño de todos los personajes, las peleas con sus característicos nubarrones de humo, la expresividad oronda de Obelix… Pero sobre todo destaca el guion y su ritmo. Consigue engarzar un gag con otro sin con ello desequilibrar la historia, algo que por ahora no habían conseguido en ninguna de sus adaptaciones. Esperemos que las siguientes adaptaciones, que seguro que vendrán, sigan por la línea marcada por esta.

 

 

 

Curiosidades:

El co-director de la película Louis Clichy trabajó como animador en las películas de Pixar Up y Wall-E. Su compañero de faena Alexandre Astier es un humorista y actor francés muy conocido en su país por crear e interpretar el papel principal en la serie de sketch Kaamelott. 

 

En la versión original, el actor Roger Carel dobla a Asterix como ya había hecho desde la primera película animada del personaje Asterix, el galo. Roger Carel también ha sido la voz del gato Isidoro y el maestro de la serie Erase una vez… y ha doblado en Francia a C-3PO

Animales mecánicos

Gandahar, Los Años Luz (Crítica Cinematográfica)

 

DIRECTOR Y GUIONISTA: René Laloux
BASADA EN LA NOVELA: Les Hommes-machines contre Gandahar de Jean-Pierre Andrevon
AÑO DE PRODUCCIÓN: 1988

 

 

 

Gandahar es un largometraje de animación 2D producido y estrenado en Francia en 1988. Cuenta las aventuras de Sylvain, usando para ello un colorista mundo de fantasía, habitado por extrañas criaturas. La historia comienza cuando el pacifico pueblo, que le presta el nombre a la película, es atacado por unas oscuras y siniestras máquinas. Sylvain, o Syl, como le conocen sus allegados, es el agente encargado de encontrar cual es el origen, cual las intenciones de aquellos seres metálicos. En su camino odiseaico se encontrará con engendros deformes, se enamorará de una bellísima humanoide e incluso llegará a viajar en el Tiempo.

El film se basa en la primera novela de Jean-Pierre Andrevon Les Hommes-machines contre Gandahar que se publicó casi dos décadas antes. El encargado de llevarla a la pantalla fue el ya fallecido René Laloux, quien en aquel momento disfrutaba de cierto reconocimiento después de haber ganado el Premio Especial de Cannes con La Planète sauvage.

El principal atractivo de la película es su diseño, libre de cualquier convencionalismo. Es una película cuyas referencias, casi treinta años después, están lejos de ser superadas, en innovación y modernidad, por lo que actualmente se proyecta en las salas de cine; herederas habitualmente de la fantasía de las sagas de El Señor de Los Anillos y el “universo Marvel”. Una parte del mérito se atribuye a Caza, diseñador de producción, famoso dibujante de comic de ciencia ficción. Así sus paisajes y sus seres son extraños, originales y bellos a la vez.

 

 

En cuanto su animación puede parecer anticuada si la comparamos con las producciones actuales en animación 2D. Se mueve con fluidez, pero el exceso de detalle del dibujo hace que la imagen parpadee a menudo. Pero no tiene nada que envidiar a la obra maestra de Hayao Miyazaki Nausicaä del Valle del Viento realizada cuatro años antes. 

Tal vez no sea una obra maestra, pero merece la pena verla. Su valor reside en la libertad a la hora de contar la historia. El relato no está constreñido por el pensamiento único reinante en la actualidad ni por ser una película de dibujos. Insinúa escenas de sexo y violencia con elegancia y nadie se siente ofendido. Ningún tiempo pasado fue mejor, pero ojala se sigan produciendo y estrenando películas así.

 

Curiosidades:

 

Los famosos hermanos Weinstein (propietarios por entonces de la empresa Miramax) estrenaron una versión recortada de la película. Además de eliminar las referencias sexuales y cambiar la banda sonora contaron con la ayuda de Issac Asimov para la adaptación al inglés del guion.

La animación fue realizada en los SEK Animation Studio en Corea del Norte. Está empresa estatal ha realizado cientos de horas de animación para Estados Unidos, Corea del Sur y Europa. En el 2003 el artista canadiense Guy Delisle escribió una novela gráfica sobre su experiencia dirigiendo una serie allí. El comic se titula Pyongyang y en España lo publicó Astiberri.

Leigh Brackett: El secreto mejor guardado de Star Wars

Hace dos meses, antes de ver la película Star Wars: El despertar de la fuerza escribí una reflexión en Dot Magazine sobre la que creo fue la verdadera genio detrás del guion de Star Wars: Leigh Brackett.

Con la eminente llegada de la nueva película son muchos los que destacan la labor del guionista Lawrence Kasdan. Leer por ejemplo el artículo de El País (AQUÍ). El escritor había participado en la genial El imperio contraataca. Pero también, sin ánimo de ofender, en El Retorno del Jedi. Esa misma de la que el incondicional fan Kevin Smith dijo: “En el (retorno del) Jedi solo había muñecos”.



Pulsa sobre la imagen para leer el artículo original



Se acerca el estreno de Star Wars: El Despertar de la Fuerza y como siempre en este tipo de franquicia viene anunciándose a bombo y platillo como uno de los hitos cinematográficos que uno no se puede perder. Como parte de esa promoción, aparecen rumores en internet que alientan a los fans con encontrase algo nuevo en la pantalla.

Es verdad que esta es la primera película de La guerra de las galaxias que se produce fuera del manto protector de su creador George Lucas, después de que vendiera su empresa –y los derechos sobre sus personajes- a la todopoderosa Disney. También es cierto que el director y coguionista de esta nueva entrega es J.J. Abrams, el pupilo aventajado de Spielberg. Y que le precede la reputación de haber rescatado con cierto tino otras sagas caídas en desgracia como Misión Imposible o Star Trek. Pero lo que la mayoría de sus seguidores y parte de los expertos se preguntan es sí por fin esta película conseguirá superar a El Imperio Contraataca, considerada por muchos la mejor de las películas de la serie realizadas hasta hora.

Es cierto que después de El Imperio Contrataca la historia no se ha desarrollado mucho. De hecho, la segunda trilogía se dedica a profundizar –por no decir, a desarmar- el gran giro argumental de esta: Dark Vader es el padre de Luke Skywalker. Lo único que consiguió las nuevas películas estrenadas en los 90, además de una cuantiosa recaudación en taquilla, fue ser vapuleada por los seguidores y la crítica e incluso nominada en varias ocasiones a los anti-oscar, los premios Rezzie.

Leigh Brackett

Corren abundantes especulaciones sobre el porqué la secuela sobresale sobre todas las demás películas de la serie. Los críticos lo achacan a que George Lucas, preocupado por conseguir financiar la película, cedió su puesto a su profesor de universidad Irvin Kershner. Muchos señalan este hecho como el motivo de que la historia se hiciera más oscura y los personajes tuvieran más matices.

Pero en la carrera de Irvin Kershner sólo destacó este título. Después se encargó de realizar James Bond: Nunca digas nunca jamás y Robocop 2. Ambas películas con resultados mediocres dentro del buen acabado habitual en Hollywood.

Pero hay otra persona involucrada en la creación de El Imperio contraataca. Ese verdadero elemento diferenciador es la veterana guionista Leigh Brackett. Ella se encargó de escribir el primer boceto del guion, justo antes de morir de cáncer. Brackett con anterioridad a participar en la saga ya había escrito los clásicos de Howard Hawks El sueño eterno  y Rio Bravo, protagonizada por John Wayne. Destacar que este western es una de las películas favoritas de Quentin Tarantino y sirvió de inspiración para un clásico de la serie B Asalto a la comisaría del distrito 13 de John Carpenter.

Pero sobre todo Leigh Brackett es autora de numerosas historias de ciencia ficción enmarcadas en el subgénero llamado Space Opera. De hecho, su marido y también escritor Edmond Hamilton, es mencionado por varios expertos como el creador de dicho género, en el que se encuadra la saga de La Guerra de las Galaxias.

Al cumplirse el 30 aniversario del estreno de El imperio contraataca salió a la luz ese primer borrador del guion. Se descubrió que, con las diferencias típicas de estas producciones, no había grandes cambios en la estructura del film. Ya había una historia de amor entre Han Solo y Leia, ya estaba Yoda, el traidor Lando Calrissian, el planeta helado del principio y la batalla final en una ciudad en las nubes.

Portada del guion escrito por Leigh Brackett

Aun así George Lucas afirma que le decepcionó el guion entregado. Pero mientras discutía con la guionista los posibles arreglos, Leigh Brackett murió. Se quedó solo en la tarea de acabar el trabajo. Fue entonces cuando añadió la relación familiar entre el héroe y el villano. Pero las malas lenguas aseguran que esos cambios fueron justo entregados en abril de 1978, únicamente un mes después de la muerte de Leigh Brackett.

Nunca se sabrá a ciencia cierta que ocurrió en realidad, pero nadie niega la influencia del “mundo” que Leigh Brackett describía en sus novelas tuvo en la construcción de la mitología de Star Wars. Los infiernos y paraísos que habitaron sus innumerables personajes inventados por aquella escritora pelirroja de largas piernas e imaginación interminable como dijo de ella el escritor de novela negra Raymond Chandler mientras adaptaba al cine su obra El sueño eterno.


Jess Franco resucitado

Este articulo fue originalmente publicado en el número 58 de Dot Magazine.

A Jesús Franco no le gustaba que le apodaran "el rey del cine casposo". Por lo de rey, no por lo de casposo. Ya que este segundo término se inventó ad hoc para él.

Su sobrino, el también director de cine Ricardo Franco ("La buena estrella") acuñó este calificativo porque durante una larga temporada, el jefe de producción del tío Jess era un portugués muy educado y muy elegante que sobre su bien planchada chaqueta siempre lucía una llamativa capa de caspa. Pensó seguro, Ricardo, que este “fenómeno” capilar definía a la perfección el cine de su bien querido pariente y mentor. Sobre una idea elegante siempre revoloteaba una espesa niebla de caspa originada en los ajustados presupuestos que se veía obligado a manejar.

Casi dos años después de su muerte Jess Franco sigue estando de actualidad. Se estrena su película póstuma “La venganza de las Alligator Ladies” y se reedita el documental “Llámale Jess”(2001) con material inédito.

 “La venganza de las Alligator Ladies” es un verdadero muestrario recopilatorio de lo que fue los últimos años de su cine. Sus diálogos son absurdos, los actores sobreactúan y las escenas eróticas rayan en lo pornográfico. Por el contrario, el documental “Llámale Jess Redux” nos descubre las razones del comportamiento artístico de Franco y a la vez demuestra el profundo conocimiento que poseía de las técnicas cinematográficas aunque su cine aparentemente no lo refleje. En resume, nos muestra un hombre que conoce a le perfección la industria del cine y que ha decidido, por voluntad propia, apearse de ella. También descubre otra de sus grandes pasiones: la música Jazz (Subterfuge Records publicó en 1998 el disco “The Crazy World Of Jess Franco”).

En una obra tan extensa como la de Jess Franco es difícil, en caso de no querer incurrir en la descalificación global, escoger las películas más destacadas. Aun así, hay una cierta unanimidad dentro de la crítica más leal a este cineasta en considerar “Gritos en la noche”(1962), “Miss Muerte” (1966), “Necronomicon” (1968) y “Las vampiras” (1971) como las mejores; atribuyéndole adjetivos como elegantes, valiosas, singulares y de gran depuración formal . Si nos fijamos en las fechas de rodaje de estas películas vemos que todas pertenecen a un mismo periodo temporal que coincide con la primera época del autor. En esta etapa le influyen las corrientes culturales de finales de los sesenta y principios de los setenta, como el mayo francés del 68, la liberación sexual o la psicodelia.

Podría parecer que un director que practicó un cine tan marginal y formalmente tan poco cuidado no dejaría ninguna huella en la historia del séptimo arte, más allá de la anécdota de referir sus múltiples excentricidades. Pero eso no es así. Pues aparte de los directores coetáneos que lo siguieron, en la actualidad cuenta con devotos discípulos. Es el caso de Pedro Tembuory (”Karate a muerte en Torremolinos”) o Norberto Ramos del Val (“Summertime”).

Como final, mencionar la película “Killer Barbys” protagonizada por la banda del mismo nombre. En esta cinta, aparte de los vigueses coinciden nombres posteriormente muy influyentes en la industria cinematográfica como Santiago Segura, el productor Enrique López Lavigne (productor de “28 semanas después” o “Lo imposible”) o Tomás Cimadevilla (productor de “Los 2 lados de la cama” o “Lobos de Arga”). Esto viene a demostrar que el cine de Jess Franco lejos de ser frívolo y trivial dejó una semilla de influencias en el cine español más atrevido.




Pulsa sobre la imagen para leer el artículo original


Este reportaxe foi orixinalmente publicado no número 58 do Dot Magazine.

A Jesús Franco non lle gustaba que o alcumasen "o rei do cine casposo". Polo de rei, non polo de casposo. Xa que este segundo termo se inventou ad hoc para el.

O seu sobriño, o tamén director de cine Ricardo Franco ("La buena estrella") acuñou este cualificativo porque durante unha longa tempada, o xefe de produción do "tío Jess" era un portugués moi educado e moi elegante que sobre a súa chaqueta ben pasada o ferro sempre lucía unha rechamante capa de caspa. Pensou seguro, Ricardo, que este "fenómeno" capilar definía á perfección o cine do seu ben querido parente e mentor. Sobre unha idea elegante sempre voaba unha espesa néboa de caspa orixinada nos axustados presupostos que se vía obrigado a manexar.

Case dous anos despois da súa morte Jess Franco segue estando de actualidade. Se estrea a súa película póstuma "La venganza de las Alligator Ladies" e reedítase o documental "Llámale Jess"(2001) con material inédito.

"La venganza de las Alligator Ladies" é unha verdadeira mostra recompilación do que foi os últimos anos do seu cine. Os seus diálogos son absurdos, os actores sobreactúan e as escenas eróticas raian no pornográfico. Pola contra, o documental "Llámale Jess Redux" descóbrenos as razóns do comportamento artístico de Franco e ao tempo demostra o profundo coñecemento que posuía das técnicas cinematográficas aínda que o seu cine aparentemente non o reflicta. En resume, móstranos un home que coñece a perfección a industria do cine e que decidiu, por vontade propia, apearse dela. Tamén mostra outra das súas grandes paixóns: a música Jazz (Subterfuge Records publicou en 1998 o disco "The Crazy World Of Jess Franco").

Nunha obra tan extensa como a de Jess Franco é difícil, en caso de non querer incorrer na descualificación global, escoller as películas máis destacadas. Aínda así, hai certa unanimidade dentro da crítica máis leal a este cineasta en considerar "Gritos en la noche"(1962), "Miss Muerte" (1966), "Necronomicon" (1968) e "Las vampiras" (1971) como as mellores; atribuíndolle adxectivos como elegantes, valiosas, singulares e de gran depuración formal. Se nos fixamos nas datas de rodaxe destas películas vemos que todas pertencen a un mesmo período temporal que coincide coa primeira época do autor. Nesta etapa inflúeno as correntes culturais de finais dos sesenta e principios dos setenta, como o maio francés do 68, a liberación sexual ou a psicodelia.

Podería parecer lóxico que un director que practicou un cine tan marxinal e formalmente tan pouco coidado non deixaría ningunha pegada na historia da sétima arte, máis alá da anécdota de referir as súas múltiples excentricidades. Pero iso non é así. Pois á parte dos directores coetáneos que o seguiron, na actualidade conta con devotos discípulos. É o caso de Pedro Temboury ("Karate a muerte en Torremolinos") ou Norberto Ramos del Val ("Summertime").

Como final, mencionar a película "Killer Barbys" onde os protagonistas son a banda do mesmo nome. Nesta fita, á parte dos vigueses coinciden nomes posteriormente moi influentes na industria cinematográfica como Santiago Segura, o produtor Enrique López Lavigne (produtor de "28 semanas después" ou "Lo imposible") ou Tomás Cimadevilla (produtor de "Los 2 lados de la cama" ou "Lobos de Arga"). Isto vén a demostrar que o cine de Jess Franco lonxe de ser frívolo e trivial deixou unha semente de influencias no cine español máis atrevido. 

Ver "Al Pereira vs.the Alligator Ladies" de Jesús Franco online

Ver "Las vampiras"de Jesús Franco online

 

Reedición de Bieito Dubidoso de Roque Cameselle

 

Edicións Xerais publicou este mes de Febreiro unha reedición corrixida da miña novela Bieito Dubidoso. A miña primeira longametraxe O pequeno mago baséase nas primeiras cen paxinas deste libro.

Bieito Dubidoso

Se tedes oportunidade, leédelo!!!

Non é mérito meu que quedara tan ben. A editorial realizou un traballo boísimo, lese con facilidade e a presentación é unha marabilla. Felicidades a todo o equipo de Xerais e especialmente a Héctor Cajaraville, o meu corrector, que foi quen de entender o chinés que escribo e convertelo en algo lexible. E a Manuel Bragado moitísimas grazas por aturarme tanto tempo.

 

 

"Formol 105" un cortometraje de Deboura Cinema

He producido junto a mi hermano Alberto Cameselle un cortometraje de animación 2D titulado "Formol 105" dirigido por Martín Rodríguez Vázquez. En él ha participado MUCHÍSIMA gente que ha puesto con ilusión su granito de arena —por algo casi son tan largos los títulos de crédito como el cortometraje—. MUCHAS GRACIAS A TODOS.

Apoyando a este cortometraje y a su director hemos intentado buscar una nueva estética para futuros proyectos. Apenas dura cinco minutos pero ha costado sudor y lagrimas.

¿Es un posible un cine fantástico en portugués?... ¿Y en gallego?

Allá por el 2008 en un encuentro entre productores españoles y portugueses organizado en Lisboa, conocí al músico, director de cine, productor, guionista y, sobre todo ello, al ARTISTA —con mayúsculas— Filipe Melo. Por casualidad nos cruzamos en el pasillo y nos paramos hablar. Llevaba bajo el brazo una copia de su cortometraje “I’ll see you in my dreams” el primer film de zombis producido en Portugal y dirigido por Miguel Ángel Vivas (conocido ahora por “Secuestrados” o la eminente “Welcome to Harmony”). Justo hacia un par de semanas que yo había visto el corto en el programa Versión Española; me había encantado y así se lo transmití.

DVD de "I'll see you in my dreams"

 

Filipe me contó que intentaba hacer una película de aventuras y fantasía titulada “As increiveis aventuras de Dog Mendonça e Pizzaboy” inspirado en las producciones de Hollywood de los 80 como “Los Cazafantasmas”, “Los Gremlins”, “Regreso al futuro” o “Golpe en la pequeña china”. Contaba como un repartidor de pizzas descubría por accidente un mundo mágico en las cloacas de Lisboa, oculto allí desde que los nazis huyeron de la derrota en la II Guerra Mundial a través de la capital lusa —algo que realmente pasó—. La particularidad del proyecto era que está vez los hombres lobo, los zombis y los investigadores de lo oculto se movían por Lisboa y hablaban portugués. Los misterios a los que se enfrentaban la pareja protagonista (Dog y Pizzaboy) se entremezclarían con la idiosincrasia de la historia y de la sociedad portuguesa actual. Esa era su gran originalidad.

Aquel mismo día me entregó una copia del guión. Veinte emails después y unas cuantas reuniones entre Galicia y Portugal, decidimos que intentaríamos unir fuerzas para llevar a cabo el proyecto. Pero no conseguimos los apoyos necesarios en nuestras respectivas industrias (la portuguesa y la gallega) para hacer la película que nos imaginábamos. La fantasía no parecía tener cabida en nuestro mercado, o eso decían los que decidían sobre ello, a pesar del éxito y la buena taquilla que “El Laberinto del Fauno” o “El orfanato” habían obtenido durante aquella época.

Yo me aparté del proyecto pero Filipe Melo no desistió. Una vez descartada la idea de producir una película, en lugar de enterrar el guión en un cajón, decidió adaptar la historia a un maravilloso comic que salió publicado en 2010. Resultó ser un éxito rotundo, con el prologo escrito por el mismísimo maestro del terror John Landis (creaciones suyas son “Un hombre lobo americano en Londres” o el videoclip de Michael Jackson “Thriller”). Incluso llegó a publicarse en EEUU de la mano de Dark House la editorial de Hellboy o Sin City y su libreto ganó numerosos premios.


Versión portuguesa de los comics

 

En 2012 publicó su secuela “A extraordinarias aventuras de Dog Mendonça e Pizzaboy II: Apocalipse” con prefacio de George A. Romero (director de “La noche de los muertos vivientes” e inventor del concepto actual de zombi) Y este mismo año 2014 cerró la trilogía con “As Fantasticas Aventuras de Dog Mendonça y Pizzaboy III: Requiem” con la introducción escrita está vez por el director de “La matanza de Texas” Tobe Hopper.

En estos momentos también se está desarrollado un videojuego, muy al estilo cross-media que ahora te demanda todo proyecto audiovisual "As Interativas Aventuras de Dog Mendonça & Pizzaboy". Si alguien quiere apoyarlos a través de crowdfunding sigue este enlace: AQUÍ

 

 

En definitiva el éxito de aquel guión y la saga que le continúo ha sido espectacular. 

A mí personalmente el álbum que más me gusta es el que cierra las aventuras de estos enigmáticos personajes. Se nota que en el proceso Filipe y su esquipo han perfeccionado el arte de contar sus historia a través de viñetas. El primer tomo era deudor de lo que habría sido el largometraje, el segundo mejoraba, pero el tercero es GENIAL. Su crítica a estos tiempos de crisis económica a nivel mundial —tomando como ejemplo la que sufre Portugal—, quedan elegantemente reflejada usando como medio: monstruos, doctores locos y seres sobrenaturales. Y, es en mi opinión, más incisiva que algún cine mal llamado social (no me malinterpretéis no me refiero ni a las obras maestras de Costa-Gavras, ni a las películas de León de Aranoa ni a las de Ken Loach, etc.)

Filipe Melo y yo hemos seguimos en contacto todos estos años. Él fue quién me presentó a Miguel Cordeiro (que junto a Marc Timón) compuso la banda sonora de mi película El pequeño mago. Juan Cavia, el ilustrador del comic, ha diseñado los zombis y algunos escenarios de La Granja los malditos, mi siguiente producción.

Durante estos años, la industria cinematográfica ha cambiado, y mucho. Ahora hay cabida para el género fantástico que hablen portugués e incluso gallego. Ahí está la simpática “Los lobos de Arga” producida por Vacas films y protagonizada por Manuel Manquiña, Luis Zahera o Mabel Rivera.

Quizá era el momento indicado de plantearse otra vez realizar una película sobre este argumento. Nunca digas nunca jamás, pero hace unos meses Filipe me confesaba mediante una conversación telefónica que se mostraba satisfecho con el trabajo realizado y que Dog Mendonça y Pizzaboy ya habían cumplido sus expectativas con creces. Era el momento de avanzar hacia otros proyectos.

Pero ¿qué hubiera sido de Dog Mendonça y Pizzaboy de carne y hueso ocupando la gran pantalla? Parece que no lo sabremos nunca.