La oveja Shaun - Crítica Cinematográfica

Esquilando lealtad

DIRECTOR: Mark Burton, y Richard Starzak
GUIONISTA: Mark Burton, y Richard Starzak
BASADO EN LOS PERSONAJES CREADOS POR Callum Blades y Nick Park
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2015

Fotograma de La oveja Shaun

La oveja Shaun nació como personaje secundario de Wallace & Gromitt, la creación insignia de la factoría de animación instalada en Bristol (Inglaterra) Aardman Animations. Concretamente su primera aparición fue en el tercer cortometraje, segundo en ganar un Oscar, allá por el año 1995: A Close Shave. Largo ha sido el camino desde entonces para la ovejita y sus acólitas. En 2007 se estrenó una serie de televisión donde se desarrollaba su “universo”, o más bien la granja, donde vive este simpático ovino. Y por fin sus locas y mudas aventuras llegan a la gran pantalla con La oveja Shaun: La película en el año 2015.

En principio, trasladar las aventuras de Shaun a un metraje de ochenta y cinco minutos se plantea como una tarea difícil, por no decir casi imposible. Pero los directores y guionistas Mark Burton y Richard Starzak, con cientos de horas de animación realizadas a sus espaldas, solventan la papeleta con gran maestría. Echan mano del humor sencillo pero no carente de ironía y mala leche, sin importarles que el film vaya dirigido a niños. Al mejor estilo de las películas mudas de Chaplin y Buster Keaton encadenan un gag con otro sin que se resienta el argumento.

Pero bajo la aparente sencillez de su guion se esconde una entrañable historia de amistad. Una ficción que ensalza, sin alharacas ni grandes cursilerías, la lealtad y la camaradería entre una particular familia que sentirás como tuya. El estudio Aardman, sin abandonar sus raíces inglesas, dan una lección, una vez más, de la universalidad de contar una buena historia.

Curiosidades

Los gruñidos y exclamaciones (que no diálogos) del villano de la película lo interpreta Omid Djalili, famoso cómico británico-iraní también conocido por sus intervenciones en Gladiator y La Momia.

La banda sonora incluye la canción Feels Like Summer compuesta por Ilan Eshkeri (que se encarga también del resto de la música de la película) en colaboración con Tim Wheeler (vocalista de la banda de rock Ash), y Nick Hodgson  (el batería y líder de los Kaiser Chiefs).

Batman: Año Uno - Crítica Cinematográfica

Un murciélago atormentado

DIRECTOR: Sam Liu y Lauren Montgomery
GUIONISTA: Tab Murphy
BASADA EN EL COMIC: Batman: Año Uno de Frank Miller y David Mazzucchelli
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2011

Fotograma de Batman: Año Uno

La película animada de Batman: Año Uno reinventa el nacimiento y las primeras andanzas como enmascarado de uno de los personajes más conocidos del comic mundial. El film se basa en el comic escrito por Frank Miller y dibujado por David Mazzucchelli, publicado en la serie regular durante 1987 y recopilado en 1988, uno de los hitos del noveno arte. En él también se inspiró Christopher Nolan para relanzar la franquicia del superhéroe en el cine, imprimiendo al personaje un carácter más atormentado y más realista (o verosímil, según algunos). Alejándose así del de Tim Burton, estereotipo más caricaturesco, aventurero, detectivesco  e intrascendente, que luego exploró la laureada serie de animación de los noventa.

Por eso y por la imperante ley de un mercado transmedia ─donde los personajes y sus historias se desarrollan en diferentes plataformas como en el comic, el cine, los videojuegos o libros─ este estreno es un paso lógico en la estrategia de Warner Bros. Y al mismo tiempo, continúa una nueva línea editorial que comenzó con Batman: Capucha Roja (2010) consistente en no crear guiones específicos para sus productos lanzados directamente a video, si no de servirse del descomunal fondo de historietas de la editorial DC para adaptarlas a largometrajes de dibujos animados. Así en los siguientes años ha llevado a la pequeña pantalla: El regreso del caballero oscuro en 2013 (también de Frank Miller), El hijo de Batman en 2014 (siguiendo la miniserie creada por Grant Morrison) y

Batman vs. Robin en el 2015 (recreando El tribunal de los búhos de Scott Snyder y Greg Capullo).

Fotograma de Batman: Año Uno

En Batman: Año uno, aunque los directores Sam Liu y Lauren Montgomery apenas sirven de simples transcriptores del comic, el resultado es bueno. En sólo sesenta y cinco minutos, como excelentes mecanógrafos, los realizadores sacrifican a veces el lenguaje cinematográfico para ser fieles al modelo, sobre todo en las escenas de acción. Por ejemplo, es trepidante la secuencia en que una bandada de murciélagos salva al primerizo y torpe héroe del ataque de la policía corrupta. Aunque da la sensación de que podía serlo más. También ahí están las voces en off del joven Bruce Wayne y de Gordon, que en el comic se representaban como apuntes en el diario de cada uno. En el film siguen sirviendo para expresar el particular sentido de impartir justicia de los protagonistas; muy “liberal”, muy propio de Frank Miller. El diseño de personajes, aunque influenciado por anime, respeta los dibujos de Mazzucchelli. Sirva como paradigma Selina (futura Catwoman) que aparece aquí como dominatriz de pelo rapado, una descripción que encaja más con un personaje de Sin City que con la Gatubela original.

En fin, una buena producción al servicio de realzar la leyenda circunstancial de un comic, la gran obra de Miller y Mazzucchelli. No decepcionará al fan veterano ni al debutante.

 



 

Curiosidades

El guionista Tab Murphy, en sus inicios fue candidato al Oscar por escribir la historia de Gorilas en la niebla. Después se especializó en los dibujos animados, firmó los libretos El jorobado de Notre Dame, Tarzan, Atlantis: El imperio Perdido y Hermano Oso, todas ellas producidas por Disney.

La co-directora Lauren Montgomery con sólo treinta y cinco años tiene el privilegio de haber dirigido ya ocho películas de animación, producidas para explotar directamente en video. Comenzó encargándose de Wonder Woman (La mujer maravilla) en 2009 y desde entonces no ha parado de encadenar trabajos. Destaca La muerte de Superman y Superman/Batman: Apocalipsis.

 



Portada de la edición de Planeta en castellano de Amor Loco



Como viene siendo habitual en las adaptaciones del mundo de DC Comic a la animación, Bruce Timm se encarga de la producción ejecutiva. Desde comienzos de los años noventa Bruce Timm ha  transformado a través de los comic y sobre todo a través de sus adaptaciones televisivas la mitología de Superman, Batman, Wonder Woman o Literna Verde. Su gran aportación a la leyenda de Batman fue la creación del personaje de Harley Quinn junto a Paul Dini en Amor Loco, comic con el que ganarían el Premio Eisner de 1994. 

El árbol de Halloween - Crítica Cinematográfica

Fantasía sideral

DIRECTOR: Mario Piluso
GUIONISTA: Ray Bradbury
BASADA EN LA NOVELA: The Halloween Tree de Ray Bradbury
AÑO DE PRODUCCIÓN: 1993

El árbol de Halloween

El estadounidense Ray Bradbury escribió sobre todo relatos fantásticos. que no de ciencia ficción, como él insistía una y otra vez en defender. La recopilación Crónicas Marcianas, donde narra la colonización del planeta rojo por parte de los terrícolas, es básica en cualquier biblioteca de un fanático de la fantasía. En su extensa obra, apenas firmó una docena de novelas cortas. Entre la que destaca el inquietante Fahrenheit 451. Sus historias se disfrutan en sorbitos cortos pero intensos.

Una de esas novelas cortas o nouvelles es The Halloween Tree, publicada en castellano por Minotauro bajo el titulo El árbol de las brujas. La idea original parte de un guion que el de Illinois había elaborado para el conocido animador Chuck Jones. El proyecto nunca se realizó. Una pena. Hubiera sido maravilloso ver trabajar juntos a estos dos talentos fascinados por el planeta Marte (Chuck Jones es el creador de Marvin: el Marciano de la Warner Bros). 

Pero el hiperactivo Bradbury, lejos de dejar la historia en el cajón, la adaptó en el mencionado libro en 1972. Ambientado en el día de Halloween, narra las aventuras de una pandilla de amigos que se ven obligados a viajar a través del tiempo y de convivir con diferentes culturas para salvar el alma moribunda de uno de ellos. Con una estructura similar a Un Cuento de Navidad de Charles Dickens y utilizando un estilo muy didáctico cercano al manual de enseñanza muestra cuales son los antecedentes de la celebración del Día de los Muertos. 

 

Mr. Moundshroud, el villano de El árbol de Halloween

Dos décadas después el estudio de animación Hanna-Barbera (Tom y Jerry o Los Picapiedras) decidió apostar por la adaptación del libro en una película para televisión. El propio Ray Bradbury escribió el nuevo libreto y narró la historia prestando su propia voz al film. El recién fallecido Leonard Nimoy (el Doctor Spock de Star Trek) bajo de su propia galaxia y encarnó al villano Mr. Moundshroud.

El resultado es desigual. La animación tiene las limitaciones propias de este tipo de producciones. Tanto los diseños de personajes y escenarios como los efectos especiales se han quedado anticuados rápidamente. Pero el relato consigue transmitir la original y trascendente melancolía de las palabras del escritor. Quizá el espectador actual tenga una visión menos romántica sobre los egipcios, los celtas o la Edad Media que la que se refleja en la película. Pero la historia consigue emocionar. Los niños protagonistas se convierten en adultos delante de nuestros ojos y aceptan la muerte como algo inherente al ser humano. Un tema cotidiano, el miedo al fin de la vida, escondido bajo una fabula fantástica. Muy característico del genial Ray Bradbury.

 

 

Curiosidades

Esta TV-Movie ganó un premio Emmy en el año 1994.

Mario Piluso, un veterano artesano de la animación, dirigió este telefilme animado. Durante su dilatada carrera en televisión se ha dedicado sobre todo a la supervisión de storyboards. Ha participado en Conan, el aventurero, Denver, el último dinosaurio o en Las Tortugas Ninja.

Ray Bradbury escribió multitud de guiones de cine, donde destaca el de Moby Dick, el clásico de John Huston protagonizado por Gregory Peck, así como algún episodio para Alfred Hitchcock presenta y La dimensión desconocida. Junto a Leight Brackett (de la cual ya escribí AQUÍ) se le considera como uno de los escritores más identificativos de la revista Planet Stories. Ambos autores escribieron juntos el relato Lorelei of the Red Mist publicado en 1946. 

¡Rompe Ralph! - Crítica Cinematográfica

Disney cambia, pero no mucho

DIRECTOR: Rich Moore
GUIONISTA: Phil Johnston y Jennifer Lee
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2012

 

 

El director de animación Rich Moore tiene el mérito de haber dirigido un puñado de los más divertidos episodios de Los Simpson y de Futurama. Pero también se merece ser laureado por haber conseguido transmitir parte de esa irreverencia, inherente a las mencionadas series de televisión, al mundo de los clásicos de Disney.

¡Rompe Ralph! es una película poco común en la filmografía del estudio, igual que antes lo fueran Taron y el caldero mágico o Lilo y Stich. Las aventuras del villano de un anticuado videojuego, que se ha cansado de representar siempre el mismo papel; aunque no sea, quizá, muy originales, su representación en la pantalla y su humor se salen del estándar al que parecía constreñido el departamento artístico de la productora.

La historia puede tener similitudes con Toy Story la primera película de Pixar. Ésta, ahora, convertida en una empresa prima-hermana del colosal conglomerado Disney. Si allí los juguetes tomaban vida cuando los niños abandonaban la habitación, aquí son los personajes de videojuegos que continúan con su cotidianidad en cuanto los humanos cierran el salón de juegos. Es en ese momento cuando la película te atrapa. Los gráficos 8-bits de las primeras consolas se mezclan con el mundo de ambientación hiperrealista de la guerra del más moderno de los shooters y con el rosa chicle de las carreras Kawaii.

 

 

 

¡Y consigue lo imposible!. ¡Rompe Ralph! logra empatizar con los padres y los más pequeños de la casa. Pero no sólo por la historia, que a eso nos tiene muy acostumbrado el cine de animación actual. Si no en la mezcla de dos mundos: el arcaico movimiento limitado de las recreaciones de los años ochenta, y la pomposidad digital de las consolas actuales. Consiguiendo resumir en algún plano treinta años de historia de los juegos electrónicos.

 

 

Curiosidades:

La banda sonora está compuesta por Henry Jackman, músico inglés, que ya ha trabajado para películas de animación, como Monstruos contra Alienígenas, Winnie the Pooh o El gato con botas. También incluye temas electrónicos de Rihanna, de Skrillex y de la estrafalaria banda japonesa AKB48, que ostenta el honor de haber sido incluido en el Reccord Guinnes por ser el grupo con más integrantes del mundo.

 

Un comic underground animado

Heavy Metal (Crítica Cinematográfica)

DIRECTOR: Gerald Potterton
GUIONISTA: Daniel Goldberg y Len Blum
BASADA EN LA REVISTA: Heavy Metal
AÑO DE PRODUCCIÓN: 1981

El largometraje Heavy Metal, estrenado en 1981 lo componen seis cortometrajes de animación unidos por un prólogo donde se sobreimprimen los títulos de crédito y una pequeña glosa que independientemente de su colocación funciona a modo de epilogo explicativo. Cada segmento se enlaza con el siguiente con el lev motive de Loc Nar, una extraña bola de cristal que contiene el mal y funciona de un modo u otro como activador de cada aventura. Esta estructura se parece mucho al que luego utilizarían Stephen King (como guionista) y George Romero (como director) en Creepshow, estrenada un año después, a modo de homenaje a los tebeos de terror publicados en EE.UU. durante los años cincuenta.

El realizador Gerald Potterton intenta capturar la esencia de la revista que da título al film. Así cada segmento está producido en un estudio diferente y se basa en la obra de alguno de los más reconocidos artistas del magazine. Recurren a la rotoscopia, a un arcaico 3D e incluso utilizan los efectos especiales más primitivos haciendo explotar una maqueta en imagen real. Pero sobre todo, esgrimen la animación tradicional como modo de trasladar las viñetas al celuloide. Eso sí, lejos del canon de príncipes y princesas de Disney (que en los ochenta pasaba por el peor de sus momentos) y con el objetivo clientelar puesto en el público adulto.

El resultado es irregular. Empeñados en ser lo más fieles al diseño original lo único que consiguen es que la animación a veces se mueva pesadamente. Las líneas de un mismo personaje cambien en cada escena, olvidándose de la continuidad. Y la perspectiva falle al unir las capas de animación con los fondos. El guion también naufraga en la mayoría de los casos, sobre todo en la parte central.

 

Aun así, son mayores los logros. La mayoría de los escenarios son maravillosos, llenos de sutiles detalles. La dirección de arte hereda de los comics la originalidad, e incluso su asombrosa extravagancia. Y la primera historia, titulada Harry Canyon, es un genial neo-noir ambientada en un Nueva York del futuro donde aún, faltos de augures, conserva las Torres Gemelas.

El último episodio, Taarna, condensa todo lo quiere transmitir la película. Por algo, su protagonista es la portada de la película y el logotipo de la publicación. En una auténtica fábula de brujería y espada, con todos los ingredientes de un libro pulp, defiende que, pase lo que pase, siempre habrá alguien que resucite el espíritu libre de Heavy Metal. Y aquí está, 35 años después, Heavy Metal, convertida en una película de culto, con su rock duro, su violencia y sobre todo con su erotismo un poco trasnochado. Quizá, algo sentimental

 

Curiosidades

El canadiense Ivan Reitman conocido entre muchas otras cosas por ser el director de Los Cazafantasmas es el productor de esta película de dibujos animados. Antes ya había producido las películas de David Cronenberg Rabia y Vinieron de dentro de… y también la estrambótica Ilsa, la tigresa de Siberia (la última de la saga erótica protagonizada por Dyanne Thorne).
 

Una animación tradicional y con futuro

Este articulo fue originalmente publicado en el número 59 de Dot Magazine.

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En la primavera del 2013 Disney anunció el cierre de su estudio de animación tradicional. Fue una muerte anunciada. La compañía productora de éxitos 2D como La Bella y la Bestia o El Rey León había abandonado poco a poco los lápices para producir sus largometrajes animados exclusivamente con imágenes generadas por ordenador. El último espaldarazo a esta decisión fue el éxito de Frozen. El reino del hielo, aplaudida por la crítica y por el público. Este film, íntegramente realizado en 3D, es la típica adaptación de un cuento clásico a un musical (en este caso La reina de las nieves del danés Andersen). Una fórmula que Walt Disney había impuesto desde su primera película Blancanieves y los siete enanitos.

En septiembre de ese mismo año, el maestro de la animación, el japonés Hayao Miyazaki anunció su retirada. La noticia sorprendió a todos en el sector. A modo de despedida estrenó la ambiciosa El viento se levanta en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Ante la espectacularidad de sus escenas no fueron pocos los que lamentaron la marcha del director nipón.

Todo indica la muerte de una disciplina usada desde casi los inicios del cine. Este proceso artesanal, animación dibujo a dibujo, ha quedado relegado a las producciones independientes norteamericanas (por ejemplo, los cortometrajes de Bill Plymton) o a producciones europeas. De hecho, este mismo año la irlandesa Song of Sea está nominada a los Oscar en la categoría a Mejor Largometraje de Animación.

 

En este ambiente desesperanzador para los animadores tradicionales, Patrick McHale, un jovencísimo director que proviene de la cantera de Cartoon Network y que ya había trabajado en Hora de aventuras crea Over the Garden Wall, una miniserie de diez capítulos de diez minutos cada uno. Cartoon Network la produjo y la emitió en noviembre de 2014 en EE.UU. Fue un éxito aplastante.

La historia narra las aventuras de dos hermanos perdidos en un extraño y mágico bosque. Es un cuento de hadas tenebroso con una pizca de humor. Los personajes están genialmente construidos y enseguida simpatizas con los dos protagonistas: el desesperante Greg y el histérico Wirt (al que le pone voz Elijah Wood en la versión original).

Ambientada en un lugar imposible, bebe del imaginario de la Norteamérica profunda, ya reflejada por Tim Burton en Big Fish o Sleepy Hollow o incluso Night Shyamalan en El Bosque. Sin ser un musical, numerosas canciones sureñas escritas expresamente para la miniserie pueblan la banda sonora con sus pianos aporreados, sus banjos y sus acordeones. El conjunto consigue, como antes lo hizo cualquier película de Wes Anderson, provocar nostalgia por una cultura que casi seguro le es ajena al espectador, fuera de las fronteras estadounidenses. 

Por otro lado logra crear una estética original, con un dibujo muy sencillo, influenciado por las tiras cómicas norteamericanas del los años veinte y al mismo tiempo por el primitivo anime de Osamu Tezuka. También usa recursos de los primeros cortometrajes de Mickey Mouse y los mezcla con los últimos hallazgos del mencionado Miyazaki.

 

Entre las obras de éste autor es El viaje de Chihiro  la referencia más clara. No sólo narrativamente porque en los dos films hay niños perdidos en un mundo mágico. El diseño del personaje de Auntie Whispers se parece demasiado a Zeniba de la película japonesa, aunque una se cubra con una capa puritana y la original vista un kimono.

 

 

Un enredo de tramas

Enredados (Crítica Cinematográfica)

DIRECTOR: Nathan Greno, Byron Howard
GUIONISTA: Dan Fogelman
BASADA EN EL CUENTO: Rapunzel de los Hermanos Grimm
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2010

Que el quincuagésimo clásico animado de la factoría Disney sea una película con imágenes generadas por ordenador es toda una declaración de principios del ahora mandamás de la compañía John Lesseter, fundador de Pixar. Más aún si pensamos que un año antes se estrenaba Tiana y el sapo un canto (nunca mejor dicho) al mejor 2D del longevo estudio. Es una confirmación de los cambios que ha sufrido y está sufriendo en estos últimos años la empresa creadora del largometraje de animación: Blancanieves y los siete enanitos, allá por 1937.

Como en aquella, y en la mayoría de sus películas animadas, el argumento se basa en un cuento. En este caso en Rapunzel de Hermanos Grimm. Cuenta la película, entre canción y canción, la historia sobre una princesa secuestrada y encerrada por una bruja en una altísima torre. El único modo de acceder a su prisión es colgándose de sus largas y mágicas trenzas. Pero un día por accidente se cuela en el torreón un ágil ladronzuelo.

El principal problema de Enredados es que el guion y el diseño de arte se han quedado a medio camino en dicha actualización. Han intentado revitalizar la adaptación de un cuento clásico, como la misma empresa había hecho en los noventa con La Sirenita, Aladdin o la genial La Bella y la Bestia. Pero esta vez no lo ha conseguido. Y eso que el equipo encargado de ello posee experiencia probada en estos menesteres.

 

El guionista Dan Fogelman, salido de la cantera de Pixar (Cars y Cars 2), en un intento de renovar el ritmo del film, pensando en un público más actual, ha creado una maraña de subtramas que al final no logra solucionar con éxito. El desenlace es una secuela de coincidencias y elementos mágicos sacados de la manga que costará creer hasta al más inocente de sus espectadores. El diseño de personajes y escenarios a manos del veterano Glen Keane (suyos son los diseños de La sirenita y Pocahontas) se ha quedado en una simple trasfusión al 3D de diseños muy noventeros del grafismo tradicional. La princesa sigue vistiendo de rosa y su fiel amigo es un bicho pequeño y verde; un camaleón en vez de una rana, como referencia al pelo enredado de la protagonista, pero sigue siendo un bicho pequeño y verde. Aunque el peor diseño es el del apuesto galán (un ladrón en vez de un príncipe). Su aspecto se parece a los personajes de las cintas de DreamWorks En Ruta al Dorado o Simbad: La leyenda de los siete mares. Es decir, un intento de tener la factura de Disney, sin serlo.

 

 

Pero técnicamente no hay nada que reprochar. La factura es impresionante y la animación divertida y muy expresiva. La película cumple con creces su objetivo de entretener. No cuesta nada verla, pero tampoco supondrá un esfuerzo olvidarla. Es la primera vez que Disney aplica una fórmula que repetirán con más acierto años después con Frozen.

 

 

Curiosidades

En esta ocasión Disney no ha contado con grandes estrellas para que les pongan voces a sus personajes. Destacan Ron Perlman (Hellboy) prestando su voz a uno de los gemelos Stabbington, y en un pequeño papel Richard Kiel, el villano de sonrisa metálica Tiburón de La espía que me amó y Moonraker.

Una pequeña gran película

Ernest y Célestine (Crítica Cinematográfica)

DIRECTOR: Stéphane Aubier, Vincent Patar, Benjamin Renner
GUIONISTA: Daniel Pennac
BASADA EN LA SERIE DE LIBROS: Ernest y Célestine de Gabrielle Vincent
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2012

La película de animación Ernest & Celestine es una producción franco-belga estrenada en España por Sherlock Films en 2013, igual que ya había hecho antes con Pánico en la granja la anterior película del tándem de directores Stéphane Aubier y Vincent Patar. En esta ocasión adaptan al cine la serie de libros ilustrados de Gabrielle Vincent, protagonizados por un oso gigante y una ratoncita. De la difícil tarea de condesar el espíritu literario de veintitantos álbumes publicados durante casi dos décadas se ha encargado Daniel Pennac. Aclamado escritor francés, Pennac se hizo conocido por las novelas negras protagonizadas por la estrambótica familia Malaussène, pero también es un reconocido experto en la literatura y los media en general dedicados al público infantil. Ésta es su primera incursión en el cine.

El equipo de la película consigue transportar las pinceladas de acuarela de los libros originales a una animación fluida y preciosista. En un proceso que les llevó más de cuatro años rematar. El gran problema era mover, sin que fueran devoradas, las manchas de color difuminadas en un blanco predominante. Pero lo consiguieron. Parecen haber tomado como referencia aquella serie de televisión de Miyazaki Sherlock Holmes. No por el diseño de los animales antromórficos, que de eso está poblado el cine de animación; si no por el movimiento con poses exageradas y las expresiones faciales semejantes al mejor anime.

 

Lo único que falla un poco es el guion en la parte central cuando nos muestran las angustias de los personajes a través de sus sueños. Pero la película pronto recupera el pulso narrativo y provoca ternura en el espectador. Es una gran film pensado para todos los públicos y con un mensaje contra la intolerancia, fuera de los cánones bien pensante y empapados en moralina empalagosa a los que nos tiene acostumbrado el cine norteamericano.

 

Curiosidades

El recorrido de festivales internacionales avala la calidad de la película. Recibió la Mención Especial en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes en 2012 y fue nominada a los Oscar en la categoría de Mejor Película de Animación donde compitió junto a El viento se levanta (el último film de Miyazaki), Los Croods y Gru 2:Mi villano favorito. El premio finalmente se lo llevó Frozen: El reino del hielo.

En la versión original francesa el oso Ernest fue doblado por Lambert Wilson actor reconocido internacionalmente por participar en Catwoman protagonizada por Halle Berry y Matrix Reloaded. Aun así para la versión inglesa confiaron en Forest Whitaker (El último rey de Escocia)

La resistencia de un pequeño pueblo galo

Astérix: la residencia de los dioses (Crítica Cinematográfica)

DIRECTOR: Louis Clichy, Alexandre Astier
GUIONISTA: Alexandre Astier
BASADA EN EL COMIC: La residencia de los dioses de Rene Goscinny y Albert Uderzo
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2014

 

 

Asterix y Obelix son los protagonistas de una treintena de historietas creadas por René Goscinny (guion) y Albert Uderzo (dibujo). Los personajes, de desigual corpulencia pero semejante hechura, simbolizan la resistencia de un pequeño pueblo (los galos, alter ego de los franceses) ante los más poderosos invasores.

 

Pero igual que se relata con ingeniosa habilidad en los cómics, el enfrentamiento entre los heroicos “david” y los poderosos “goliat” a la hora de comercializar los álbumes franceses, como también le ha ocurrido a la producción española desde hace años, se encontraron con la poderosa industria americana del comic. Agrandado la diferencia de poderío cuando se convierten en personajes cinematográficos. La victoria permanente se transforma en derrota inevitable.

 

Pues como decíamos la relación de Asterix y Obelix con el cine y su resultado ha sido desigual, y muy parecida a la que han tenido el tebeo español Mortadelo y Filemón. Las dos sagas comenzaron con paupérrimas producciones en 2D, con la entrada del nuevo milenio tuvieron su encarnación en películas de imagen real (con gran éxito en la taquilla pero sin el beneplácito de la crítica) y su último proyecto se han pasado a la animación en tercera dimensión (ver Mortadelo y Filemón contra Jimmy el "Cachondo").

 

Destacar en el recorrido a Las doce pruebas de Astérix estrenada en 1976. Dirigida por los propios Uderzo y Goscinny, y sin estar basada en ninguno de los comics publicados hasta la fecha, consiguió capturar el espíritu y la comicidad de las viñetas originales. Hasta ahora se consideraba el mayor éxito cinematográfico de los irreductibles galos.

 

 

 

Astérix: la residencia de los dioses adapta la decimoséptima aventura. Está vez, Cesar intentará que los irreductibles galos sucumban a la atracción de la modernidad romana y abandone su lucha construyéndole un complejo vacacional en el bosque de al lado. 

 

El film es técnicamente brillante. Da solución a problemas casi inimaginables de resolver, como el diseño de todos los personajes, las peleas con sus característicos nubarrones de humo, la expresividad oronda de Obelix… Pero sobre todo destaca el guion y su ritmo. Consigue engarzar un gag con otro sin con ello desequilibrar la historia, algo que por ahora no habían conseguido en ninguna de sus adaptaciones. Esperemos que las siguientes adaptaciones, que seguro que vendrán, sigan por la línea marcada por esta.

 

 

 

Curiosidades:

El co-director de la película Louis Clichy trabajó como animador en las películas de Pixar Up y Wall-E. Su compañero de faena Alexandre Astier es un humorista y actor francés muy conocido en su país por crear e interpretar el papel principal en la serie de sketch Kaamelott. 

 

En la versión original, el actor Roger Carel dobla a Asterix como ya había hecho desde la primera película animada del personaje Asterix, el galo. Roger Carel también ha sido la voz del gato Isidoro y el maestro de la serie Erase una vez… y ha doblado en Francia a C-3PO

Animales mecánicos

Gandahar, Los Años Luz (Crítica Cinematográfica)

 

DIRECTOR Y GUIONISTA: René Laloux
BASADA EN LA NOVELA: Les Hommes-machines contre Gandahar de Jean-Pierre Andrevon
AÑO DE PRODUCCIÓN: 1988

 

 

 

Gandahar es un largometraje de animación 2D producido y estrenado en Francia en 1988. Cuenta las aventuras de Sylvain, usando para ello un colorista mundo de fantasía, habitado por extrañas criaturas. La historia comienza cuando el pacifico pueblo, que le presta el nombre a la película, es atacado por unas oscuras y siniestras máquinas. Sylvain, o Syl, como le conocen sus allegados, es el agente encargado de encontrar cual es el origen, cual las intenciones de aquellos seres metálicos. En su camino odiseaico se encontrará con engendros deformes, se enamorará de una bellísima humanoide e incluso llegará a viajar en el Tiempo.

El film se basa en la primera novela de Jean-Pierre Andrevon Les Hommes-machines contre Gandahar que se publicó casi dos décadas antes. El encargado de llevarla a la pantalla fue el ya fallecido René Laloux, quien en aquel momento disfrutaba de cierto reconocimiento después de haber ganado el Premio Especial de Cannes con La Planète sauvage.

El principal atractivo de la película es su diseño, libre de cualquier convencionalismo. Es una película cuyas referencias, casi treinta años después, están lejos de ser superadas, en innovación y modernidad, por lo que actualmente se proyecta en las salas de cine; herederas habitualmente de la fantasía de las sagas de El Señor de Los Anillos y el “universo Marvel”. Una parte del mérito se atribuye a Caza, diseñador de producción, famoso dibujante de comic de ciencia ficción. Así sus paisajes y sus seres son extraños, originales y bellos a la vez.

 

 

En cuanto su animación puede parecer anticuada si la comparamos con las producciones actuales en animación 2D. Se mueve con fluidez, pero el exceso de detalle del dibujo hace que la imagen parpadee a menudo. Pero no tiene nada que envidiar a la obra maestra de Hayao Miyazaki Nausicaä del Valle del Viento realizada cuatro años antes. 

Tal vez no sea una obra maestra, pero merece la pena verla. Su valor reside en la libertad a la hora de contar la historia. El relato no está constreñido por el pensamiento único reinante en la actualidad ni por ser una película de dibujos. Insinúa escenas de sexo y violencia con elegancia y nadie se siente ofendido. Ningún tiempo pasado fue mejor, pero ojala se sigan produciendo y estrenando películas así.

 

Curiosidades:

 

Los famosos hermanos Weinstein (propietarios por entonces de la empresa Miramax) estrenaron una versión recortada de la película. Además de eliminar las referencias sexuales y cambiar la banda sonora contaron con la ayuda de Issac Asimov para la adaptación al inglés del guion.

La animación fue realizada en los SEK Animation Studio en Corea del Norte. Está empresa estatal ha realizado cientos de horas de animación para Estados Unidos, Corea del Sur y Europa. En el 2003 el artista canadiense Guy Delisle escribió una novela gráfica sobre su experiencia dirigiendo una serie allí. El comic se titula Pyongyang y en España lo publicó Astiberri.